La Capilla del Museo Municipal reabre
Los vecinos de Chueca y Malasaña cuentan desde el jueves con un nuevo espacio cultural: la Capilla del Museo de Historia de Madrid, que reabría sus puertas tras las obras de rehabilitación y restauración con un concierto de música barroca en honor a Miguel Cervantes.
Cerrada desde el año 2009, en el año 2015 comenzó la primera fase de la rehabilitacióny en 2016 se ha completado la segunda parte del proyecto, en el que se han invertido 402.095,03 euros y que ya cuenta con un amplio programa de actividades culturales.
Declarado Monumento Arquitectónico Artístico en 1919, el uso cultural del edificio se remonta a 1926, fecha en la que albergó la ‘Exposición del Antiguo Madrid’, dos años después de haber sido adquirido por el Ayuntamiento de Madrid. Posteriormente fue depósito de libros, centro de exposiciones y depósito de la Biblioteca Municipal.
El proyecto de rehabilitación, iniciado en 2015, ha eliminado las barreras arquitectónicas, instalado suelo radiante, suprimido las estructuras de compartimentación -instaladas para el uso de un espacio temporal-, pintado los paramentos, limpiado y restaurado los óleos de las pechinas de la Capilla.
También se ha ejecutado la limpieza y restauración del lienzo del pintor italiano Luca Giordano ‘San Fernando ante la Virgen’, una gran obra de arte barroco que data de aproximadamente del año 1700 y que ahora puede ser disfrutada por todo aquel que visite la capilla.
Con una altura de 580 centímetros y 410 centímetros de ancho, esta pintura desapareció en la segunda mitad del siglo XIX y su recuperación fue toda una sorpresa y una casualidad. Escondida tras una capa de pintura de un anónimo que repintó el lienzo, sin eliminar el original, el traslado en 1990 de la Biblioteca Municipal al Centro Cultural Conde Duque propició el descubrimiento de la restauradora Carmen Reche.
La obra, que figura en el testero de la Capilla, representa al rey Fernando III arrodillado ante la figura de la Virgen con el Niño, quien se dispone a atravesar con una cruz en forma de lanza a un dragón. El monarca les ofrece la toma de la ciudad de Sevilla, cuyas murallas, rodeadas por sus tropas, señala con la mano izquierda, mientras con la derecha levanta una espada.
La segunda fase del proyecto se ejecutó entre julio y agosto de 2016 y consistió en la adecuación de la cúpula, la protección de los huecos del tambor con piezas de alabastro, la pintura de las zonas más altas de la sala y la adecuación de la Capilla como salón para usos culturales, complementarios a la actividad del Museo de Historia de Madrid.
Un nuevo espacio cultural para el barrio
La rehabilitación de la Capilla incorpora a la ciudad un nuevo espacio cultural, que ya cuenta con una completa programación de actividades para los próximos meses y que arrancará el 26 de noviembre con un concierto de música de cámara española de los siglos XIX y XX a cargo del cuarteto Nebra.
La programación continuará en torno al tercer centenario del nacimiento de Carlos III, para el que se han programado varios conciertos de la época del que fuera conocido como el mejor alcalde de Madrid: el 13 de diciembre, a las 19:30 horas, con el dúo de solistas de La Folía, Pedro Bonet y Belén González Castaño; y el 20 de diciembre, a la misma hora, repetirán los mismos intérpretes con un nuevo concierto de música vocal e instrumental de autores como Nebra, Scarlatti, Boccherini, Vargas y Guzmán, entre otros.
La Capilla acogerá también, desde el 1 de diciembre, un ciclo de conferencias sobre el tiempo, la historia, la política, las artes, las ciencias y sobre el legado de Carlos III que durarán hasta el 27 de abril.
La Calisto Suite - VII. Ciacona, Tarquinio Merula
Lang Lang: George Gershwin - Rhapsody in Blue
O quam gloriosum est regnum, Tomas Luis de Victoria
Pioneras de la pintura de bodegones
El Museo del Prado tiene obra de más de 5.000 artistas hombres frente a 41 mujeres, a las que habría que sumar otras 12 contemporáneas, de las que atesora unas 70 obras. Solo siete están expuestas en sus colecciones. Mientras las mujeres cuelgan habitualmente de las paredes de los museos, pocas son las que firman los cuadros. Por eso, no es de extrañar que la historia del arte está tachada, y con razón, de machista. Han hecho falta 200 años para que el Prado se rinda a las mujeres. La pinacoteca nacional, aunque parezca increíble, dedica por primera vez una exposición en solitario a una pintora: Clara Peeters. Un nombre que quedará ya grabado en la historia de la pinacoteca y de la cultura de este país como una pionera en un mundo de hombres. Una simbólica paradoja para quien ya lo fue en los albores del siglo XVII y lo vuelve a ser en este XXI.
¿Y quién es Clara Peeters? Esta pintora fue una de las pioneras de la pintura de bodegones y un importante miembro de la pintura barroca flamenca. Como le ha pasado tantísimas grandes mujeres, su historia se difumina entre el patriarcado y los años. Su trabajo ha estado prácticamente borrado durante cuatro siglos por el mero hecho de ser mujer. No fue hasta los setenta cuando se empezó a recuperar la figura de una de las escasas mujeres que pudo dedicarse profesionalmente a la pintura en Europa en la Edad Moderna y a mirar con otros ojos a su obra.
Hoy solo se conservan y conocen (aunque desde el museo esperan que la lista aumente tras esta muestra) 39 obras de Peeters, y cuatro son del Prado. El hecho de que la pinacoteca tenga la mayor cantidad de sus cuadros ha impulsado esta exposición, que se puede ver del 25 de octubre al 19 de febrero, con 15 de sus naturalezas muertas. Alberto Vergara, comisario y jefe de Conservación de Pintura Flamenca y Escuelas del Norte del Museo del Prado, puntualiza que realmente no son 200 años los que han tardado la mujer en llegar al Prado porque las exposiciones temporales solo se hacen desde hace un par de décadas. "Eso hay que matizarlo porque estas exposiciones no se hacían antes y también llega cuando lo está pidiendo la sociedad", asegura.
La discreta reafirmación de Peeters
Rubens, Van Dyck o Jan Brueghel el Viejo son solo tres de los pintores flamencos que cualquiera conoce y, además, contemporáneos de Clara Peeters. Entre faisanes y quesos, alcachofas y cangrejos, peces y dulces, esta mujer de la que apenas se conocen datos, más allá de que desarrolló su producción en Amberes, quiso reivindicarse como pintora en las primeras décadas del siglo XVII. Lo hizo, por ejemplo, en una lujosa copa dorada (a la izquierda). De forma minúscula y detallada su rostro nos mira dejando clara su presencia. Con un tocado y un vestido de hombros altos o con pinceles y una paleta, pero clavando su mirada en el espectador, Clara Peeters reafirmó su condición de mujer pintora con nombre propio y rostro a través de, al menos, ochoautorretratos que se integran de forma casi imperceptible en sus bodegones.
Es, en palabras de Vergara, la manera en la que “discretamente se quiere mostrar. Es una forma de mostrarse y, después de ella, lo empezarán a hacer otros porque no era habitual. Se quiere enseñar pero con cuidado". Son sus pequeños guiños para seguir rompiendo esa opacidad impuesta a las mujeres. Las naturalezas muertas como manera de demostrar su afán artístico y la necesidad de romper barreras en un mundo masculino de una mujer que no es que fuera especialista en bodegones sino que fue una de las precursoras de este género en los Países Bajos. Una marca de agua, en definitiva, con la que reivindicar su valía, su condición ya no de pintora sino de mujer pintora y cortar ese silencio también a través labrados cuchillos de plata en cuyas hojas y empuñaduras se puede leer su nombre.
Pero Peeters no solo fue una vanguardista en su época por esta reivindicación femenina. Comienza a trabajar el bodegón, un género que aún no tenía la fuerza que adquirió en las décadas posteriores, y en el realismo o naturismo, que también empezaba a imponerse como una alternativa al idealismo de tradición renacentista. El hecho de que las naturalezas muertas fueran el género al que dedicó su producción también tiene que ver con ser mujer, ya que no era nada fácil acceder a la profesionalización en un mundo masculino y mucho menos a los talleres o los modelos, pero del mismo modo demuestra su espíritu emprendedor y su valentía. “Es bastante pionera, una persona que va contracorriente. Es valiente y vanguardista en el contexto de la época”, subraya Vergara. "Ser mujer no pintora sino profesional era algo muy difícil en la época. Se solía conseguir si eras aristócrata o hija de un profesional. No sabemos cuál era su caso porque no se conoce nada sobre su origen".
La pintura de Peeters es preciosista, detallista -sus autorretratos son una buena muestra de su maestría al pintar en una escala tan diminuta-, laboriosa y minuciosa en la descripción de las formas y las texturas; es elegante y sobria como requiere esa opulencia que retrata en unos cuadros que fundamentalmente estaban dirigidos a la élite rica flamenca. En sus bodegones se percibe sudeterminación por enfatizar la apariencia real de las cosas y la creencia de que puede ir más allá mostrando lo cotidiano y conocido.
Avanzada a su tiempo, Peeters también fue una precursora a la hora de dotar de forma y significado a sus suntuosas naturalezas muertas. Fue la primera artista que pintó peces en los bodegones. El primero que se conoce es 'Bodegón con pescado, vela, alcachofa, cangrejos y gambas' (1611). Y los coloca ahí, en ese afán por retratar la realidad, porque el pescado, y en especial el de agua dulce, era un alimento cada vez más común en las mesas de la época ante las imposiciones de ayuno de carne impuestas por al Iglesia. Además, introduce la caza, lujosos productos de exportación como el queso o alimentos tan exóticos en la época como las alcachofas.
A pesar de todo ello, la historia de esta pintora se pierde en la memoria del arte. Como explica Vergara, apenas hay datos sobre ella. Los escasos documentos atestiguan que nació en Amberes entre 1588 y 1590, que era unos diez años menor que Caravaggio (quien firmó el primer bodegón de la historia: 'Cesto con frutas', 1596), sus obras más tempranas e inexpertas datan de 1607 y 1608 y su mayor actividad tuvo lugar entre 1611 y 1612. Las mayores certezas sobre su carrera las aportan sus cuadros y, a través de ellos, se puede afirmar que gozó de reputación y éxito en la época.
"Basándonos en ellos -solo podemos saber quién compraba sus cuadros-, sabemos que tuvo éxito porque se hicieron con su obra dos de los más importantes coleccionistas de arte de la época", afirma el comisario. En el siglo XVII solo había seis lienzos documentados de la artista, dos de ellos los compró laColección Real española y otros dos Diego de Mexía, el marqués de Leganés, a quien Rubens describe en una carta como “uno de los grandes expertos [en pintura] del mundo”. Ellos posaron sus ojos sobre una artista de la que se pierde su rastro y su nombre a partir de 1621 y que hoy vuelve a tener visibilidad para continuar abriendo las pesadas puertas del arte a las mujeres.
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Agnus Dei
El Thyssen muestra la pintura intimista de Renoir
El Museo Thyssen-Bornemisza organiza este otoño una exposición monográfica dedicada a Pierre-Auguste Renoir (1841-1919), uno de los artistas más importantes de la segunda mitad del siglo XIX y principios del XX. Estará disponible desde este martes hasta el próximo 22 de enero. Se trata de una muestra del pintor francés en la que se dan cita 77 obras autógrafas realizadas a lo largo de seis décadas, desde su etapa impresionista hasta su posterior deriva hacia la tradición clásica.
La exposición estará comisariada por Guillermo Solana, director artístico del Museo Thyssen-Bornemisza, que tacha la producción artística del pintor como "placentera, apacible, hedonista y popular".
'Renoir: intimidad' está organizada en torno a cinco bloques temáticos: impresionismo, retratos, paisajes, escenas domésticas y bañistas. En todos ellos el pintor se sirve de las sugerencias sensoriales como vehículo para representar la intimidad en sus diversas formas: social, amistosa, familiar o sensual.
La exposición resalta el papel central de las sensaciones táctiles en la pintura de Renoir frente a la concepción habitual que reduce el impresionismo a la «pura visualidad».
Fandango de Doña Francisquita
Y aquí se canta la Jota en España y sus regiones!
12 de Octubre 1492, y España cambió el Mundo
La cancion del lunar. Joaquin Turina
Rondo: Allegretto. Joaquin Turina
Motete Sicut cervus. Giovanni Pierluigi da Palestrina
Cristóbal de Morales | Vigilate et orate
Carlos III, Rey en la Casa de la Moneda
Premiar la virtud y el mérito. Bajo esta premisa nació la Real y Distinguida Orden de Carlos III en 1771, creada por el propio Rey en agradecimiento por el nacimiento de su primer nieto, que aseguraba la dinastía. Acaba de cumplir 245 años de historia que, con motivo de los actos del tercer centenario del nacimiento del Monarca, se convierten en protagonistas de la muestra «Virtuti et Merito», inaugurada el pasado lunes en el Museo Casa de la Moneda.
Una exposición única -organizada por el Ministerio de Hacienda y Administraciones Públicas, la Cancillería de la Real Orden de Carlos III, además de la institución anfitriona- que acercará al público piezas extraordinarias de un valor «excepcional». En concreto, 400 obrasprocedentes de 54 museos y colecciones privadas, nacionales y extranjeros, entre documentos, condecoraciones, retratos, mantos ceremoniales de diversas órdenes, monedas y medallas, escudos o modelos originales de conocidos monumentos madrileños.
«No es una simple exposición de medallas, cruces y monedas. Hemos buscado la novedad en las piezas, muchas de ellas pertenecientes a colecciones privadas que nunca antes habían sido expuestas», explica su comisario, Alfonso Ceballos-Escalera y Gila, vizconde de Ayala.
La muestra, que cuenta con 60 expositores, albergará joyas como el manto ceremonial de la Insigne y Real Orden de San Genaro, que ha viajado desde Roma para la ocasión. La excepcional pieza de seda bordada en oro y plata, del siglo XVIII, pertenece a la colección de Carlos de Borbón-Dos Sicilias, duque de Castro. En la misma categoría, la exposición lucirá un manto litúrgico para la Inmaculada Concepción -de la que era especialmente devoto el monarca- con los emblemas de la Real Orden de Carlos III. La pieza, de 1860, es de seda bordada con hilo de plata.
A ellas se suman otras joyas como una alegoría de la Real Orden -datada en el año de su fundación, 1771-, realizada en marfil o una interesante colección de cruces. Entre las curiosidades, destaca también un collar de la Orden de la República -creada en 1932-, hecha en metal y esmalte. Completan la exhibición una gran colección de facsímiles de documentos relacionados con la Real Orden, entre otros objetos.
Durante su inauguración, se presentaron también la moneda de 10 euros que ha acuñado el museo con motivo del tercer centenario y la medalla«Virtuti et Merito».
XIII Semana de la Arquitectura
La XIII Semana de la Arquitectura arranca este jueves con el objetivo principal de acercar la arquitectura a la sociedad y difundir el valioso patrimonio arquitectónico que hace de Madrid una de las capitales de referencia de esta disciplina en el mundo. Para ello, el Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid (COAM) ha organizado una extensa programación de exposiciones, conferencias y visitas a edificios, con Nueva York en la mirada como ciudad invitada en esta edición.
[Consulta toda la programación de la XIII Semana de la Arquitectura de Madrid]
Hasta el 9 de octubre, Open House Madrid abrirá las puerta de más de 100 edificios que se podrán visitar gratis –previa inscripción–. Entre ellos se encuentran la Gran Logia de España; el Instituto de Patrimonio Cultural, de Fernando Higueras y conocido como la Corona de Espinas; el icónico edificio de oficinas Beatriz; el edificio La Vela de BBVA de Herzog & de Meuron; o la Real Fábrica de Tapices. Tras el éxito en la primera edición, se mantienen en el circuito edificios como el Gimnasio Maravillas de Alejandro de la Sota; la Fundación Francisco Giner de los Ríos; o el Banco de España.
Otro de los grandes atractivos de esta edición es la exposición «Cartas a la Alcaldesa». Un proyecto original de Storefront for Art and Architecture comisariado por Eva Franch, que acogerá la planta de acceso del COAM (Calle de Hortaleza, 63). Los visitantes podrán tener acceso a las misivas escritas por más de 70 arquitectos a la alcaldesa de Madrid. Se trata de una actividad que emula la iniciativa que surgió en Nueva York, en 2014, con el espíritu de transmitir ideas innovadoras y visiones de la ciudad entre quienes toman las decisiones y los arquitectos y, a su vez, trasladar las mismas a la sociedad en su conjunto acercando la profesión a la ciudadanía. Se podrá visitar hasta el 31 de octubre.