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Blog de Miguel Angel Rodriguez y Urosa

Año Ruperto Chapí

Año Ruperto Chapí

Compositor español. Hijo de un modesto barbero nació en Villena (Alicante) y recibió las primeras lecciones de su padre, músico aficionado. A los 16 años se trasladó a Madrid para estudiar con Emilio Arrieta, profesor de composición del Real Conservatorio, graduándose en 1874. Ese mismo año consigue una beca para estudiar en Roma donde escribe sus primeras óperas. De regreso a España no tarda en adquirir una gran popularidad gracias a sus composiciones teatrales sobre todo en el género de la zarzuela.

Fundador de la Sociedad de Autores Española en 1893, fue también al igual que Tomás Bretón y Federico Chueca profesor de Manuel de Falla. Compuso música de orquesta (Sinfonía en re) y de cámara de bastante calidad (tres cuartetos) pero su mayor mérito y talento reside en sus obras para teatro: algunas óperas como Margarita la tornera (quizá la más conocida compuesta en 1909) y sobre todo sus 155 zarzuelas estrenadas en su gran mayoría con éxito. Podemos destacar: La tempestad (1882), La bruja (1887), Mujer y reina (1891), El rey que rabió (1891) y sobre todo La revoltosa (1897), sainete lírico con letra de Carlos Fernandez Shaw que señala una cima en su obra. Uno de los grandes méritos de Ruperto Chapí fue el de dar a la zarzuela una proyección universal, apostando por un sentimiento nacional contra el italianismo de moda. Murió en Madrid en 1909.

Desde finales de 2008 se vienen celebrando diversos actos para conmemorar el centenario de la muerte del músico valenciano Ruperto Chapí. En noviembre de 2008 se presentó en Madrid el comité organizador y una primera serie de actividades. Esta página, mantenida por el Instituto Valenciano de la Música, recoge todas las iniciativas relacionadas con el centenario de que se tiene noticia, e invita a cualquier institución que desee añadir las suyas a hacerlo escribiendo al siguiente correo electrónico del departamento de documentación y comunicación del IVM.

 

Ruperto Chapí Lorente (Villena, 27 de marzo de 1851 - Madrid, 25 de marzo de 1909) está considerado, por derecho propio, como uno de los compositores más importantes de la música española de todos los tiempos. Pocos artistas han tenido un peso tan específico en la cultura musical hispana, a cuya difusión contribuyó de forma decisiva. Creaciones suyas para la escena como El tambor de granaderos, La patria chica, La revoltosa, El rey que rabió, La bruja, El puñao de rosas, Roger de Flor o Margarita la tornera fueron en su momento grandes iconos y aún hoy lo son, como demuestra el hecho de que algunos de estos títulos hayan llegado a miles de representaciones, hito reservado a pocas obras líricas del repertorio universal.

Sus piezas, que han sido interpretadas a lo largo y ancho de toda España, han recibido un merecido aplauso y el reconocimiento de crítica y público en lugares tan distantes como la Patagonia o Los Ángeles. Prueba de su grandeza compositiva es el hecho de que grandes divos de la escena internacional –desde Eduardo Bergé, Enrico Tamberlinck o Enrico Caruso hasta Alfredo Kraus, Teresa Berganza, Pilar Lorengar, Montserrat Caballé o Plácido Domingo– lo hayan cantado o grabado.

Pero la contribución de Ruperto Chapí a la vida cultural española no se limitó a la composición de óperas o zarzuelas. En 1899, junto con Sinesio Delgado y otros jóvenes creadores, impulsó la creación de la Sociedad de Autores, embrión de la actual Sociedad General de Autores y Editores (SGAE), que les permitió luchas contra los abusos de los editores musicales del momento. Además, para fortalecer la recién nacida entidad, donó todo su archivo personal a la sociedad, que hoy la custodia junto a las creaciones originales de centenares de compositores.

505 años, El David de Miguel Angel

505 años, El David de Miguel Angel

Escoged a un hombre y que venga contra mí. Si pudiere pelear conmingo y vencerme, nosotros seremos vuestros siervos; mas si yo prevaleciere sobre él y lo matare, vosotros seréis nuestros esclavos

Apareció de entre la multitud un pequeño muchacho, un pastor llamado David. Aquel muchacho metió la mano en el zurrón, saco una piedra, la puso en la honda y disparó. El gigante cayó fulminado en el suelo con un tremendo impacto de la piedra en medio de la frente. Corriendo, David se acercó a él, cogió su espada y decapitó al gigante Goliath.

David de Miguel Angel

Durante siglos esta historia nos ha servido a todas las generaciones como ejemplo de valor, de seguridad, para darnos cuenta de que cualquier cosa, por muy grande y difícil que sea, podemos vencerla si nos lo proponemos. Esta misma historia, tiempo ha, cautivó tamibén a los florentinos, quien veían en su figura un reflejo de las cualidades de Florencia. Valor para enfrentarse una pequeña república ccomo era la florentina, a toda una república italiana, y belleza, la que tiene Florencia en cada uno de los rincones de la ciudad. Aquel 13 de septiembre de 1501, David, el rey de Israel, quedó ligado a la historia de Florencia para siempre.

Pero no fue ésta la idea original. La enorme piedra de mármol que llevaba años (desde mediados del siglo XV) almacenados en la propiedad del Arte de la Lana (gremio de tejedores de Florencia) era conocida como “el gigante”, antes incluso de ser tallada. Estaba destinada a escultura de algún profeta para la catedral de Santa María del Fiori. Era la época del papado de Alejandro VI, el papa Borgia; era la época justo posterior a la caída de los Medici en Florencia; era la época en que la estrella de un conocido artista toscano empezaba a brillar: Miguel Angel Buonarroti.

Sin embargo, aquella piedra no fue a parar en primer lugar a las manos de Miguel Angel. Fue Agostino di Duccio quien afrontó tamaña tarea. Era el año 1460, y di Duccio sólo llegó a vaciar parte del mármol, pero de tal modo que dejó la piedra casi inservible. Por ello, aquel mármol se dejó abandonado y estuvo durante tantos años oculto.

David de Miguel AngelEl cambio de siglo trajo nuevas ideas, como la de afrontar de nuevo el proyecto pero dedicándolo a David. Se ofreció la obra, y tres artistas se presentaron voluntarios: Andrea Sansovino, Leonardo da Vinci y Miguel Angel Buonarroti. El primero quedó descartado rápido, y la elección quedó entre los dos últimos. Leonardo acababa de esculpir un caballo de terracota inmenso para los Sforza de Milán, que desgraciadamente había sido destruido por las tropas francesas. Miguel Angel venía de esculpir la soberbia Pietà en Roma.

Lo que decantó la elección fue la seguridad dada por Miguel Angel de que con el bloque de mármol que le pusieron en las manos sería capaz de construir aquella colosal estatua, sin necesidad de más piedras, y, además, hacerlo “ex uno lapide“, o sea, de una sóla pieza, estilo que estaba considerado como sólo propio para obras maestras.

La obra comenzó el 13 de septiembre de 1501. En el más absoluto de los secretos Miguel Angel se encerró con su obra, y sólo el 23 de junio de 1503 dejó ver algo de ella a los ciudadanos. En mayo de 1504, Miguel Angel acabó la que es considerada como la escultura más bella y perfecta del Mundo.

Pero su Historia no acabó ahí, porque el detalle de su localización ya fue motivo de controversia. Inicialmente, la idea era colocarlo en la catedral apoayada en un contrafuerte, pero entonces se perdía la visión trasera de la estatua, y entre ello, la visión de la honda que iba a la espalda. En enero de 1504, 32 artistas y ciudadanos de renombre de la ciudad de Florencia se reunieron para buscarle emplazamiento. Se decidió que sería en la Piazza de la Signora. Pero la controversia no se quedó ahí, pues aquella mirada amenazante de la estatua; aquellos ojos que parecían cobrar vida en el mármol eran una cuestión políticamente crucial.

Si la ponían mirando hacia Pisa, significaría el deseo de Florencia de reconquistar Pisa, una ciudad que había sido ya florentina. Si se ponía mirando hacia Roma, parecería una mirada de despecho hacia un lugar donde el papa Alejandro VI había cobijado a los Medici que habían sido expulsados de la ciudad por el gobierno florentino. Finalmente, sin embargo, se escogió esta última, y fue tal el rechazo que tuvo entre el pueblo llano que en los cuatro días que duró el traslado del David desde el taller a su lugar de emplazamiento, fue apedreado.

El 8 de septiembre de 1504, la estatua quedó inaugurada.

Venecia, retrato al natural

Venecia, retrato al natural

Venecia ya no era la dueña y señora del comercio, ni sus naos surcaban engalanadas y repletas de valiosas mercancías las aguas y los puertos del Mediterráneo. Corría ya el siglo XVIII y el apogeo económico de la República había quedado atrás. Sin embargo, nobles y pudientes europeos aún visitaban y gozaban en el esplendor de sus palacios y canales, y la pintura era un estallido de nombres y de hombres que las cortes del Viejo Continente se disputaban.

El “Settecento Veneziano” se nutrió de docenas y docenas de artistas (más de trescientos, muchos de ellos grandes maestros), con Tiépolo, Ricci y Canaletto a la cabeza, que convirtieron la capital del Véneto en una paleta multicolor y vivaz, en un esplendoroso lienzo que se admiraba desde todas las capitales y países.

Explosión de talentoBuena parte de esa explosión de talento y belleza puede ahora contemplarse (hasta el 7 de junio) en la exposición “Settecento Veneziano. Del Barroco al Neoclasicismo”, en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid, que ha contado con la colaboración de la Fundación Banco Santander y la Embajada de Italia. Comisariada por Annalisa Scarpa, la muestra se nutre de obras que han llegado de distintos museos y diversas colecciones privadas, especialmente la Colección Terruzzi, y muchas de ellas son expuestas por primera vez en España.
Scarpa destaca que muchos de estos pintores “fueron viajeros, emigrantes de lujo, requeridos por las más refinadas cortes de Europa”, tal y como sucedió con Carlos III, que se trajo hasta Madrid a Gian Battista Tiépolo para que pintara y decorara el Palacio Real. Del gran pintor veneciano, muerto en la capital española en 1770, la exposición muestra “Rinaldo y Arnida” y “La Inmaculada”, dos punteros ejemplos de su talento, considerado “la apoteosis de la expresión pictórica veneciana”.
Annalisa Scarpa subrayó también los estrechos vínculos culturales existentes entonces entre la Ciudad de los Canales y nuestro país, y destacó que todas estas obras y este periodo se “distinguen por el peculiar uso de la luz y del color, que la convierten en una pintura en la que hay que entrar con el corazón”.
Importante prestigioTal fue el prestigio de los artistas del “Settecento Veneziano” que muchos de ellos contaban con auténticos representantes (por usar un término actual) que se encargaban de postularlos y promocionarlos ante los distintos reyes europeos. Incluso, muchas de sus obras eran requeridas por prohombres que nunca habían tenido la posibilidad de visitar Venecia pero que soñaban con ella y querían que sus salones estuvieron ornados y decorados como cuadros inspirados en la bella ciudad italiana, como si fueran postales, lujosas y bellísimas postales.

El “Settecento” fue el intenso y luminoso tránsito del Barroco al Neoclasicismo, tal como explica Víctor Nieto Alcaide, Académico Delegado del Museo de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. “Esta exposición muestra la elevada calidad y la originalidad de la pintura veneciana del XVIII. La preocupación de los pintores venecianos por la percepción de las transformaciones de la luz y el color, al igual que la atención por captar lo singular, anecdótico y cotidiano, alcanzaron un desarrollo inédito en la pintura del Settecento.

La pintura, al no estar condicionada por las normas rigurosas del clasicismo y ser entendida como un valor en sí misma, dio lugar a nuevas formas de modernidad y de autonomía pictórica llamadas a tener amplio eco en el arte posterior”. La brillante nómina de pintores representados cobija además de a Tiépolo, a su hijo mayor, Gian Domenico, a Antonio Bellucci, Sebastiano Pellegrini, Rosalba Carriera, Pietro Longhi, Luca Carlevarijs, Johan Richter, Canaletto, Bernardo Bellotto y Francesco Guardi, entre otros nombres radicalmente propios

Larra 200 años

Larra 200 años

Un 24 de marzo de 1809 nacía en la antigua sede de la Real Casa de Moneda de Madrid, Mariano José de Larra, el maestro del periodismo moderno; ilustrado, arrebatado y romántico, que se quitó la vida con un tiro en la sien, antes de cumplir 28 años, tras un desengaño amoroso y el hastío vital que le producía España.

Así, hoy, martes, se cumple el bicentenario de este creador del artículo crítico y mordaz; progresista, dramaturgo y narrador, autor de frases célebres como "Vuelva usted mañana", "Escribir en Madrid es llorar" o su famoso "Aquí yace media España. Murió la otra media", cuya vida y obra sigue teniendo máxima vigencia.

Todo un clásico que todavía no ha encontrado relevo, según el periodista y dramaturgo Ignacio Amestoy. "Fue el periodista más importante del XIX y del XX. No se ha encontrado un sucesor. Todavía estamos esperando", ha señalado en varias ocasiones.

Larra, que fue el periodista mejor pagado de su época, conocido después también como "Fígaro" y creador de las revistas "El duende satírico" o "El pobrecito hablador", nació en Madrid en plena Guerra de la Independencia contra los franceses.

A los cuatro años se fue con su familia a París, con su padre, un médico afrancesado que sirvió en el ejército francés. Regresaría a Madrid, cinco años después.

Por este motivo, a los cinco años hablaba y escribía francés como español. A los nueve estudiaba gramática latín y griego y a los doce tradujo "La Ilíada", de Homero. Y ya con 19 años escribía su folleto "El duende satírico", recuerda Jesús Miranda, descendiente del escritor, en la biografía que ha salido hace poco con el título "Larra. Biografía de un hombre desesperado", publicada por Aguilar y por la Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales.

Con un matrimonio frustrado con Josefa Wetoret, "muy guapa y de muy buena familia", y padre de tres hijos, Larra "fue un niño sin niñez y con un desarrollo prematuro dentro de una familia avanzada", considera Miranda, quien define al escritor como "un dandy, amigo de sus pocos amigos, entre ellos Espronceda, rebelde, enamoradizo, reservado, escéptico y misántropo".

Y en esta biografía, Jesús Miranda de Larra sostiene que el escritor se suicidó "por España y no por el amor a una mujer". Fue un hombre que luchó por cambiar España y al ver que no pudo integrarse en una España sin progreso, se pegó un tiro".

La situación política, social y económica que le toco vivir a Figaro fue desastrosa y gris. La transición del antiguo régimen al liberalismo.

Larra se pegó un tiro en la sien el 13 de febrero de 1837 en su casa madrileña de la calle de Santa Clara, un lunes de Carnaval tras recibir la visita de su amante, la poderosa Dolores Armijo, pidiéndole las cartas de amor que ella le había enviado, porque quería salvar su matrimonio.

Este hecho ha protagonizado ríos de tinta, obras de teatro y ha sido novelado, sobre todo, por uno de los especialistas en la vida y obra de Larra, Juan Eduardo Zúñiga, autor de "Balas de plomo", novela en la que recrea el día que Fígaro puso fin a su vida.

Puerta de Sol y Fuencarral volveran a ser de los ciudadanos

Puerta de Sol y Fuencarral volveran a ser de los ciudadanos

En apenas seis meses la Puerta de Sol volverá a ser de los ciudadanos. El próximo fin de las obras del intercambiador que se ha construido bajo la plaza permitirá al Ayuntamiento empezar en abril las actuaciones para remodelar la superficie, que terminarán en octubre.
Con la nueva configuración prevista en el proyecto municipal se incrementará en un 57 por ciento el espacio destinado a los peatones; es decir, se pasará de 6.681 metros cuadrados a 10.466.
Así, el tráfico quedará reducido a la circulación que va desde la calle Mayor a la Carrera de San Jerónimo y al acceso limitado por la calle de Alcalá, según los estudios que ha realizado el área de Movilidad. Los peatones se «apropiarán» del resto de la superficie. Podremos ver, por tanto, una Puerta del Sol en la que los coches sólo contarán con una conexión de paso.
El Ayuntamiento estima que las obras, en las que se invertirán 4,6 millones con cargo al Fondo Estatal de Inversión Local, durarán 6 meses. El objetivo es poder conservar los pavimentos históricos existentes en el perímetro central y reutilizar lo adoquines actuales. Con todo ello se espera mejorar la accesibilidad.
El proyecto incluye también la reforma del primer tramo de Alcalá hasta su confluencia con Sevilla. En este tramo, que tiene una superficie de 5.652 metros cuadrados, se incrementará el espacio de las aceras y se pasará de los 2.474 metros cuadrados actuales a los 4.662, lo que supone un aumento del 88 por ciento. En esta zona se prevé la instalación de un nuevo mobiliario urbano.
Naturalmente la posibilidad de tener más espacio para el peatón viene dada por la reducción en la circulación de los coches. La intención del Ayuntamiento es permitir solo el paso de la línea 51 de los autobuses de la EMT, así como de los taxis que accedan a la nueva parada que estará situada antes de llegar a la Puerta del Sol y de los vehículos que salgan del parking de Sevilla.
Con estas limitaciones, además de aumentar la capacidad peatonal se intentará compatibilizar el tráfico de coches con el de bicicletas.
La remodelación de Sol se unirá a las últimas actuaciones realizadas por el Ayuntamiento en Montera y a las previsiones para Fuencarral y Callao. En la primera, como se recordará, se han invertido 1,5 millones de euros para peatonalizar el tramo entre las calles Aduana y Caballero de Gracia. Se ha incrementado en 1.127 metros cuadrados el espacio dedicado al peatón, es decir en un 40 por ciento, y se han sustituido 4.695 metros de pavimento.
En Fuencarral, por su parte, se peatonalizará, con 2,7 millones de euros, entre Gran Vía y Hernán Cortes. Al mismo tiempo, se remodelarán 10.631 metros cuadrados de los que el 91 por ciento serán para el peatón.El Ayuntamiento de Madrid comenzará las obras de peatonalización de la calle Fuencarral el próximo miércoles, en el tramo comprendido entre la Gran Vía y la calle Hernán Cortés.

Las actuaciones, cuyo presupuesto asciende a 2,7 millones de euros, dotarán de una nueva imagen a uno de los puntos de la ciudad más transitados por los peatones y formará parte del eje sin tráfico Montera-Sol-Arenal-Ópera-Plaza de Oriente.

De los 10.631 metros cuadrados sobre los que actuará el Ayuntamiento, 9.731 (el 91,5% de la superficie total) serán peatonales después de cuatro meses de obras.

El espacio estará dotado con 63 puntos de alumbrado público, 20 bancos y 168 árboles, de los que 30 serán de nueva plantación.

El tramo de Fuencarral que va desde su inicio hasta sobrepasar el número 50 es el de más actividad comercial de la calle y abarca cerca de 8.000 metros cuadrados.

Las actuaciones también incluyen las calles aledañas de Pérez Galdós, Augusto Figueroa, San Onofre e Infantas en el recorrido comprendido entre la propia calle Fuencarral y la de Hortaleza.

El plan dará continuidad al eje Montera-Arenal, un itinerario usado a diario por más de 36.000 peatones y que se prolongará más allá de Gran Vía.

Por eso, el Ayuntamiento también remodelará la Red de San Luis, en una intervención que modificará el sentido del tráfico en la calle Caballero de Gracia; suprimirá la fuente, sustituirá los pasos de peatones de la Gran Vía a la altura de Telefónica y la calle Hortaleza por uno nuevo que enlace directamente Montera y Fuencarral, y trasladará las terminales de autobuses.

Este proyecto permitirá aumentar en un 120% el espacio peatonal en este punto, así como dar continuidad a la acera de los números impares de la Gran Vía.

                                                                                                                                                                                                                                                                                                                               

CaixaForum saca ‘El Pensador’ de Auguste Rodin a la calle

CaixaForum saca ‘El Pensador’ de Auguste Rodin a la calle

La réplica más antigua de «El Pensador», del escultor Auguste Rodin, ha recalado hoy en Madrid y lo ha hecho para quedarse "reflexionando" en la calle durante un mes en compañía de otras seis de sus esculturas.
La célebre obra de arte, icono de la lucha de la clase trabajadora, se exhibe a las puertas del madrileño CaixaForum junto a otra de las obras más importantes que realizó Rodin, el conjunto de seis piezas «Los burgueses de Calais», dando forma a una exposición "callejera" que ya han podido ver los ciudadanos de Bilbao, Málaga, Palma de Mallorca, Granada, Valladolid y Sevilla.
CaixaForum celebra con esta exposición, enmarcada en la iniciativa de la Obra Social de laCaixa "Arte en la Calle", su primer año, en el que han pasado por ese edificio que "levita" asomado al Real Jardín Botánico y al Museo del Prado, cerca de un millón y medio de personas.
Cumplir con el deseo de RodinPoner las esculturas al aire libre es, según ha dicho hoy el secretario general de la Fundación laCaixa, Lluis Reverter, cumplir con el deseo de Rodin, que aunque inicialmente las colocó en pedestales, luego quiso "acercarlas a la gente", algo que no consiguió hasta después de su muerte. Reverter y la delegada de Medio Ambiente de Madrid, Ana Botella, han sido los encargados de despojar de la capa plástica que tapaba la escultura en la plaza de acceso al museo, repleta hoy de periodistas, curiosos e invitados, entre ellos la delegada del Área de las Artes del Ayuntamiento de Madrid, Alicia Moreno, y la jefa del departamento curatorial del Museo Rodin de París, Aline Hagnien.
Hagnien ha explicado a Efe que existen repartidas por el mundo doce estatuas de «El Pensador», "porque no son vaciados, ni réplicas, sino piezas originales ya que la escultura es el arte de la reproducción", afirma, y que la que se puede ver en Madrid es la que se hizo a su muerte, en 1917.
«El Pensador» era, inicialmente, el Dante, de poco más de 70 centímetros, que debía presidir una "Puerta del Infierno" que iba a ser el acceso al frustrado Museo de Artes Decorativas de París. Tras desecharse el proyecto, el artista decidió hacer otra escultura, la de "un hombre desnudo, sentado sobre una roca y retorciendo los pies", de 1,84 metros de alto y con la que rompió los moldes de la que era hasta entonces una rígida disciplina.
Esfuerzo intelectual y lucha creativaSe trata de 650 kilos de torsión muscular en bronce, con los que Rodin quiso representar el esfuerzo intelectual y la lucha creativa, que estuvieron entre 1906 y 1922 -cuando se trasladó al Museo Rodin- frente al Panteón de los Hombres Ilustres, donde se convertiría un símbolo para la clase trabajadora y en icono del socialismo.
La especialista ha detallado sobre «Los burgueses de Calais» que Rodin primero esculpía las estatuas desnudas y después las vestía, por lo que en ese conjunto las dos que no están vestidas son estudios preparatorios. "Lo más interesante es la forma en la que concibió la obra -un homenaje a los seis ciudadanos que resistieron el asedio inglés en 1347- porque quiso que estuviera a la altura del espectador y apreciara cada detalle de su desesperación en esa 'lenta procesión hacia la muerte'".
A ella también le gustaría, como ha expresado la responsable del área de cultura de Madrid, que la exposición permita a los viandantes, como quería Rodin, "volverse a su casa con un pedazo del alma de la naturaleza, del artista y de la ciudad".

Madrid recobra una innovada casa-museo Lope de Vega

Madrid recobra una innovada casa-museo Lope de Vega

Madrid recobra desde hoy una innovada casa-museo, la misma que perteneció al poeta y universal dramaturgo Lope de Vega (Madrid, 1562-1635). Está situada en la calle de Cervantes del Barrio de las Letras. Su apertura surge después de ocho meses de obras de rehabilitación y conservación. Se han saneado y restaurado su huerto-jardín y todas sus estancias interiores, distribuidas en 250 metros cuadrados de superficie en tres plantas con oratorio, alcobas, cocina y el estudio del dramaturgo. En este mismo recinto tuvo Lope de Vega su hogar durante los últimos 25 años de su vida. En él escribió algunas de sus mejores obras, como La Dorotea o Arte de hacer comedias, publicada ahora hace cuatro siglos. Y residió con una de sus esposas, Marta de Nevares, y con algunos de sus numerosos hijos, habidos de distintos matrimonios y amoríos. Igualmente, Lope de Vega misó en su oratorio en su condición de sacerdote, ministerio adquirido en 1614, en la fase postrera de su vida. La casa data de 1578. Era propiedad de un tal Juan Pérez. Lope la compró por 9.000 reales y la habitó desde 1610 hasta 1635.

El escenario cultural recién rehabilitado conserva el aura de la época del Siglo de Oro de las Letras españolas, si bien reinterpretado con criterios de 1935, cuando de la casa se hizo cargo la Real Academia Española (RAE) por cesión de Antonia García, viuda de Cabrejo, que otorgó a la institución académica el patronato de una fundación, por ella constituida, para instalar en el recinto un Museo de Lope de Vega.

Cuadros del Prado

La traza de la hoy casa fue recuperada entonces gracias a los arquitectos Pedro Muguruza y Emilio Moya, y su ambientación literaria, histórica y mobiliaria, hoy conservada, se debe a Emilio Cotarelo, Américo Castro, Ramón Menéndez Pidal, Agustín González de Amezúa, entre otras personalidades de la cultura española. Las estancias del edificio están decoradas con numerosos cuadros, algunos procedentes del museo del Prado y del convento de las Trinitarias; el mobiliario fue cedido por el Museo de Artes Decorativas; y los libros, coetáneos del gran vate madrileño, han sido brindados por la Biblioteca Nacional.

La Comunidad de Madrid asume a partir de ahora, junto con la RAE, la programación cultural de la casa-museo de martes a domingos, entre diez de la mañana y tres de la tarde, que se integrará en los principales recorridos culturales y turísticos de Madrid. Así lo subrayó la presidenta del Gobierno regional, Esperanza Aguirre, que reinauguró ayer la casa-museo en compañía de Víctor García de la Concha, director de la Real Academia Española, y de Santiago Fisas, consejero de Cultura y Turismo del Gobierno regional.

El propósito de esta dinámica cultural persigue resaltar la literatura, la dramaturgia españolas del Siglo de Oro y la vida del llamado "Fénix de los Ingenios" quien, ya a los cinco años de edad, dictaba a otros niños madrileños sus poemas. Militar, amante, esposo y sacerdote, Lope de Vega fue un hombre apasionado, versificador excelso, que expresó en sus obras el empuje creativo de un talento asombroso que

transformaría en literatura imperecedera. Y ello en unos años en que el poema dramático era la lingua franca de la cultura universal y España detentaba su hegemonía en Europa.

Talleres literarios familiares

La innovada casa-museo se reabre al público con el estreno de un zaguán reordenado para acogida de público; una sala polivalente para conferencias y proyecciones; talleres literarios para familias, con programación dominical, recitales de poesía, cuenta-cuentos, teatro leído, conciertos, presentaciones de libros y una estela de actividades, que quedarán incorporadas a la Noche de los Teatros el 29 de marzo; a la Semana del Libro, del 21 al 26 de abril; y al Día Internacional de los Museos, del 8 al 18 de mayo.

La apertura de este escenario histórico se produce al culminar la rehabilitación acometida a partir del 1 de junio pasado por la Dirección General de Patrimonio Histórico y la Dirección General de Archivos, Museos y Bibliotecas de la Consejería de Cultura del Gobierno regional.

Las obras han afectado a las tres plantas del edificio, que incluyen un oratorio, alcobas, comedor, cocina, buhardillas y, sobre todo, el estudio del gran poeta y autor teatral. Todas estas piezas han recibido tratamiento de conservación y adecentamiento, además de desinsectación, micro-aspiración de textiles y enlucido de suelos y paramentos. La rehabilitaciòn se ha hecho con cargo del 1% Cultural para la ampliación del espacio público de la casa-museo, que ha aportado 299.216 euros procedentes de esta partida derivada del total de obra pública de la Comunidad de Madrid. El total invertido ha sido de 394.216 euros.

Catalogada como Bien de Interés Cultural con categoría de Monumento, la de Lope de Vega se incorpora así a un circuito cultural y turístico de casas-museo madrileñas que comprende, entre otras: la dedicada al pintor Joaquín Sorolla, en la calle de Martínez Campos, 37; la del Marqués de Cerralbo, Enrique Aguilera y Gamboa, en ventura Rodríguez, 17, en el arranque de la calle de Ferraz; la del prócer Lázaro Galdeano, en la calle de Serrano esquina a María de Molina; la del pintor Manuel Benedito, en Juan Bravo, 4 y la de José Padilla, en la de Fuente del Berro.

Casa-Museo Lope de Vega. Cervantes, 11. Martes a domingo, de 10.00 a 15.00. Entrada gratuita. Lunes cerrado.

El sueño prerrafaelita entra en El Prado

El sueño prerrafaelita entra en El Prado

En 1848, un grupo de jóvenes e idealistas artistas británicos decidió renegar de los conservadores dictados que marcaba la Royal Academy of Arts y buscó una renovación de la pintura inspirándose en los artistas primitivos italianos que precedieron a Rafael. John Everett Millais, Dante Gabriel Rossetti y William Holman Hunt fueron los puntales de la Hermandad Prerrafaelita, que dominó el arte británico de la segunda mitad del siglo XIX. Reivindicaban una nueva visión de la naturaleza y un regreso a la inocencia estética de artistas como Fra Angelico, su discípulo Benozzo Bozzoli o el gran Botticelli. El Museo del Prado acoge desde hoy una selección de pintura británica de la época victoriana procedente del portorriqueño Museo de Arte de Ponce, entre las que se encuentran dos obras maestras de esta época: El sueño del rey Arturo en Avalón, de Edward Coley Burne-Jones, obra cumbre de la última fase prerrafaelita, y el Sol ardiente de junio, de Frederic Leighton, que, sin estar vinculado al movimiento, es una figura clave del siglo XIX británico.

En total, 17 obras integran la exposición La bella durmiente. Pintura victoriana del Museo de Arte de Ponce -que cuenta con el patrocinio del BBVA- y representan un tipo de pintura que raramente puede verse en España, como señaló Gabriele Finaldi, director adjunto de Conservación del Museo del Prado. Es la primera vez que las piezas, con la excepción de una de ellas, se exponen en una institución española.

Los mitos europeos, las fábulas o la fascinación por lo clásico desfilan en una exposición en la que el sueño, lo onírico, se impone como tema. El sueño, explicó Finaldi, se convierte en símbolo de introspección, de un ansia de evasión de la realidad, de una metáfora de la muerte. El sueño del rey Arturo en Avalón, la última obra que realizó Burne-Jones -y que dejó inacabada- resume la fascinación de los prerrafaelitas por la leyenda artúrica: Arturo, mortalmente herido tras la última batalla contra Mordret, ha sido llevado por tres reinas mágicas hasta la isla mágica de Avalón, donde permanecerá en un ensueño hasta que su presencia sea requerida de nuevo en la tierra. Años antes, Burne-Jones había explorado esa cualidad ambigua del sueño como frontera con la muerte en la serie El rosal silvestre, cuyo tercer óleo, La bella durmiente, da título a la exposición. Se inspira en la fábula de Perrault que en el siglo XIX recogiera Alfred Tennyson en su poema The day dream (El sueño del día).

La muestra recorre las principales obsesiones de los prerrafaelitas. En La huida de una hereje, de Millais, el que más éxito cosechó en vida, el artista usa una escena histórica imaginada para universalizar los sentimientos de individuos corrientes atrapados en situaciones que escapan de su control. Léhon desde Montparnasse, Bretaña, de Thomas Seddon, es un buen ejemplo de la "fidelidad a la naturaleza" que, recordó Finaldi, se convirtió en frase programática de los prerrafaelitas. Un principio que Holman Hunt siguió hasta el final de sus días, tal y como muestra el retrato de su hija Gladys que realizó entre 1893 y 1894. En La viuda romana (Dîs Manibus), Dante Gabriel Rossetti toma un tema clásico para pintar uno de los retratos de enigmáticas mujeres que realizó en la década de 1860, "mujeres de belleza particular", señaló Finaldi y que permitieron acuñar el término de "belleza prerrafaelita".

Reflejos de Oriente

Reflejos de Oriente

Siete mujeres investigadoras de Madrid lo han conseguido: su trabajo de hormiguitas especialistas en Asia ha visto la luz. Una luz tenue y delicada, en la sala de bóvedas del Centro Cultural Conde Duque, ilumina a partir de hoy el viaje y la fascinación por mundos exóticos y lejanos en la exposición Orientando la mirada. Reúne 150 piezas, organizadas con un punto de vista histórico, artístico y antropológico, que muestran la singularidad de Oriente y la atracción que ha provocado en Occidente a lo largo de los siglos.

"Algunos objetos se muestran por primera vez", dice la directora

Grabados, mapas, figuras de Buda, joyeros, un mantón, biombos, esculturas, miniaturas de adorno como los netsukes o los okimonos, cartas y poemas de agradecimiento y bienvenida (surimonos) tazas, platos... hasta un sagrario realizado en Japón con nácar, madera y madreperla... Objetos de arte y cotidianeidad asiática pasados también por el tamiz y el gusto de los occidentales: militares, comerciantes, religiosos. Gentes que descubrieron la magia de la porcelana, la seda o el marfil y que hacían de embajadores en su país de origen y de destino: China, Japón, Filipinas, Tíbet, Camboya, Tailandia, Indonesia, Myanmar... Los creadores de allá diseñaban a la moda de acá, al mismo tiempo que su singularidad de formas y colores se abría paso en el arte occidental.

Desde el siglo XVI, en España el arte asiático fue intercambiado, regalado y coleccionado. Como recuerda la exposición Orientando la mirada. Todos los objetos expuestos proceden de colecciones de arte madrileñas en museos y colecciones privadas. El Museo Arqueológico, el de Antropología, el Prado, el de Artes Decorativas, el Cerralbo, el Sorolla, la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando...

Las investigadoras que han preparado la muestra (a lo largo de dos años) han rescatado piezas asiáticas perdidas en un conjunto artístico o incluso almacenadas sin uso. Es el caso de unos thangka (tela ritual) tibetanos, procedentes de la colección Riviere, de un asianista francés afincado en España.

"Muchos de las objetos se ven por primera vez", dice Carmen García-Ormaechea. Ella dirige el Grupo de Investigación Complutense Arte de Asia, que aglutina en especialistas de distintos campus y centros. Pilar Cabañas, especialista en marfil japonés, es de la Complutense; Matilde Arias (Museo del Ejército) y María Román (Universidad Autónoma) son expertas en cerámica japonesa; en porcelana china lo es Cinta Krahe, de la Escuela de Arte y Antigüedades; del mismo centro es María Jesús Ferro, conocedora de arte Indio e Isabel Cervera (Autónoma) domina la pintura china. "Es una muestra de nuestro tesón", reconocen estas mujeres, que intercambian saberes desde los noventa y quieren que cunda el ejemplo de aglutinar obras orientales: "hay mucho arte asiático disperso por España".

Para enfocar su mirada hacia el Oriente, los visitantes del Conde Duque contarán con unas audioguías gratuitas.

Orientando la mirada. Centro Conde Duque. Conde Duque, 9 y 11. Hasta el 24 de mayo. Entrada libre. De martes a sábado, de 10.00 a 21.00. Domingos y festivos, de 10.30 a 14.30.

Lincoln 200 años después

Lincoln 200 años después

Ejemplo del sueño americano, autodidacta, nacido a comienzos del siglo XIX en la pobreza absoluta en una cabaña en los bosques de Kentucky sobre un suelo de tierra y cubierto con una piel de animal. De la pobreza extrema a un buen pasar como abogado de éxito; emancipador de los esclavos negros; salvó la Unión triunfando en una brutal guerra civil; defensor de la igualdad de oportunidades; exponente máximo del hombre común, llegó a decir: "Dios ama a las personas corrientes, por eso hizo tantas". Asesinado cinco días después de la rendición de los confederados secesionistas. Consagrado por la historia como el mejor presidente de Estados Unidos, junto con George Washington. Todo esto y mucho más fue y representó Abraham Lincoln (1809-1865).

Preservó la Unión, al precio de una guerra civil con 500.000 muertos

"No debemos canonizarlo como santo laico", advierte el columnista Safire

Obama es el último eslabón de la cadena iniciada con la emancipación

Lincoln: "El gobierno del pueblo, por y para el pueblo no desaparecerá"

Hoy se cumple el bicentenario del nacimiento del 16º presidente de EE UU que abre las compuertas, sobre todo en su país, a una explosión de lincolnmanía reflejada en centenares de nuevos libros sobre su figura política, su personalidad, sus contradicciones, que las tuvo y muchas, y su puesta en valor en la sociedad norteamericana de 2009. Sobre él se han escrito más palabras que sobre cualquier otro gran personaje histórico, excluido Jesucristo. Exposiciones, actos académicos, documentales y la reapertura del remozado teatro Ford, en Washington, donde en la tarde del 14 de abril de 1865, Viernes Santo, John Wilkes Booth, un joven sudista perdedor de la guerra, descerrajó un solo tiro en la cabeza del presidente republicano con una pequeña pistola Dillinger. Murió a las siete de la mañana del día siguiente.

El viento de fronda avivado por Obama, el primer negro en llegar a la Casa Blanca, ha puesto de actualidad la figura de Abraham Lincoln. Barack sería el último eslabón de la cadena iniciada por Lincoln con el decreto de emancipación de los esclavos y, lo que es más importante, con la posterior constitucionalización de su libertad a través de la decimotercera enmienda a la Constitución. Sea o no cierta esta interpretación histórica, Obama, demócrata, ha hecho suya la figura del larguirucho, como él, Lincoln, subrayando sus coincidencias y recuperando lo esencial de su discurso político. El 44º presidente inició su campaña a la Casa Blanca en las escalinatas del Capitolio de Springfield (Illinois) al igual que lo hizo Lincoln. Ambos son abogados y fueron primero congresistas en el mismo Estado al que posteriormente representaron en el Congreso de Washington. Las ideas de unidad y reconciliación nacional, no es un país de blancos o negros, o de republicanos o demócratas; de la defensa de la igualdad de oportunidades; incluso de intervención del Estado en la economía, también muy presente en Lincoln en una fuerte depresión, cuando defendía las obras públicas y la construcción de ferrocarriles, o la ayuda a los bancos, o también la creación de un banco público, son compartidas por los dos presidentes. También les aproxima su elocuencia virtuosa y su creencia en la fuerza de las palabras. Obama estudió detenidamente los discursos de Lincoln al preparar el suyo en la toma de posesión.

Abraham Lincoln vivió la era de la cultura oral, donde la palabra dicha, en sermones religiosos o discursos, era lo más importante. Admiraba a William Shakespeare y sus obras, que estudiaba para preparar sus discursos. La Biblia era su otra fuente de inspiración literaria. Obama juró el cargo sobre la Biblia de Lincoln. Otra coincidencia. El Honesto Abe, otro de sus sobrenombres, era un hombre de gran espiritualidad pero no abrazó dogma alguno, tampoco el religioso. De hecho, no tuvo ficha en ninguna iglesia. La inclusión de adversarios políticos en sus gobiernos en puestos claves -Departamento de Estado, Defensa e incluso el Tesoro-, buscando cierta transversalidad, es otra semejanza entre los dos presidentes.

Y un gesto simbólico: la peregrinación de la familia Obama, por la noche, una semana antes de entrar en la Casa Blanca, al Lincoln Memorial de Washington. El espectacular templo griego que cierra el Mall, por el oeste, enfrentándose al Capitolio a través de una avenida-parque de tres kilómetros y medio. La mejor forma de entender y reflexionar sobre Estados Unidos, su presidencia y el carácter imperial de la superpotencia es hacerlo sentado en las escalinatas del Lincoln Memorial, a la sombra de la estatua del presidente, en mármol de Georgia, y después de leer los discursos de Gettysburg y de su segunda toma de posesión, grabados en la piedra. Recomiendo acudir al amanecer o ya con las luces de la noche.

Quedan para la historia y todavía producen emoción al leerlas, más al escucharlas, las 272 palabras del discurso de Lincoln, tres minutos, en el campo de batalla de Gettysburg. "Aquí decidimos que estos muertos no han muerto en vano, que esta nación bajo Dios tendrá un renacimiento de la libertad, y que el gobierno del pueblo, por el pueblo, para el pueblo, no desaparecerá de la tierra". Palabras que memorizan y recitan todos los escolares en Estados Unidos. Palabras que fueron transmitidas por Radio Budapest en 1956, durante la revolución húngara, para llamar al levantamiento contra la Unión Soviética.

El papel histórico de Lincoln como el Gran Emancipador llegó gradualmente desde un inicio en el que el presidente negaba rotundamente la igualdad social y política de negros y blancos. Sólo puso fin a la esclavitud cuando creyó que la Unión podía soportarlo sin dividirse. "No tengo el propósito", dijo en un debate político, "de introducir la igualdad política y social entre las razas blanca y negra. Hay una diferencia física entre las dos que, en mi opinión, les prohibirá siempre vivir en perfecta igualdad". Esta declaración le ha valido acusaciones de ser un "supremacista blanco".

Luchó con determinación en la guerra civil (500.000 muertos en una población de 30 millones) y su objetivo principal fue ganarla a toda costa para salvar la Unión, aun sin resolver la cuestión de la esclavitud que le provocaba problemas, insalvables con los sudistas, pero también con el Norte federal. "Mi primer propósito es salvar la Unión, y no salvar o proteger la esclavitud; si pudiera salvarla sin liberar un solo esclavo, lo haría; y si pudiera salvarla liberando a todos los esclavos, también lo haría". Al final, logró las dos cosas y con ese resultado ha pasado a la historia. Preservó la Unión, al precio de una terrible guerra civil, no sólo por ella misma sino porque representaba una idea de igualdad, de gobierno de la mayoría, una idea exportable universalmente.

"No hace falta que lo canonicemos como nuestro santo laico, no solo asesinado sino martirizado", advierte el columnista del New York Times, William Safire. La personalidad de Lincoln fue compleja y contradictoria. Sentido del humor profundo, capacidad de encantamiento, gran contador de historias. Pero también una profunda melancolía reflejada en su atormentado rostro. Inestable psicológicamente, estuvo a punto de suicidarse dos veces antes de cumplir los 33 años. Visionario, pero calculador a la vez. Problemas familiares: detestaba a su padre, no acudió a su funeral y adoró a su madrastra. Su matrimonio fue todo menos plácido. Su mujer enloqueció

Recomiendo, por último, dos libros para recordarle. Team of rivals, de Doris Kearns Goodwin. Ha sido libro de cabecera de Obama durante la campaña presidencial. Y en ficción, la gran novela Lincoln, de Gore Vidal.

200 años de Darwin

200 años de Darwin

Charles Robert Darwin nació en Sherewsbury el 12 de febrero de 1809. Fue el segundo hijo varón de Robert Waring Darwin, médico de fama en la localidad, y de Susannah Wedgwood, hija de un célebre ceramista del Staffordshire, Josiah Wedgwood, promotor de la construcción de un canal para unir la región con las costas y miembro de la Royal Society. Su abuelo paterno, Erasmus Darwin, fue también un conocido médico e importante naturalista, autor de un extenso poema en pareados heroicos que presentaba una alegoría del sistema linneano de clasificación sexual de las plantas, el cual fue un éxito literario del momento; por lo demás, sus teorías acerca de la herencia de los caracteres adquiridos estaban destinadas a caer en descrédito por obra, precisamente, de su nieto. Además de su hermano, cinco años mayor que él, Charles tuvo tres hermanas también mayores y una hermana menor. Tras la muerte de su madre en 1817, su educación transcurrió en una escuela local y en su vejez recordó su experiencia allí como lo peor que pudo sucederle a su desarrollo intelectual. Ya desde la infancia dio muestras de un gusto por la historia natural que él consideró innato y, en especial, de una gran afición por coleccionar cosas (conchas, sellos, monedas, minerales) el tipo de pasión «que le lleva a uno a convertirse en un naturalista sistemático, en un experto, o en un avaro».

En octubre de 1825 Darwin ingresó en la Universidad de Edimburgo para estudiar medicina por decisión de su padre, al que siempre recordó con cariño y admiración (y con un respeto no exento de connotaciones psicoanalíticas); la hipocondría de su edad adulta combinó la desconfianza en los médicos con la fe ilimitada en el instinto y los métodos de tratamiento paternos. Sin embargo Darwin no consiguió interesarse por la carrera; a la repugnancia por las operaciones quirúrgicas y a la incapacidad del profesorado para captar su atención, vino a sumarse el creciente convencimiento de que la herencia de su padre le iba a permitir una confortable subsistencia sin necesidad de ejercer una profesión como la de médico. De modo que, al cabo de dos cursos, su padre, dispuesto a impedir que se convirtiera en un ocioso hijo de familia, le propuso una carrera eclesiástica. Tras resolver los propios escrúpulos acerca de su fe, Darwin aceptó con gusto la idea de llegar a ser un clérigo rural y, a principios de 1828, después de haber refrescado su formación clásica, ingresó en el Christ’s College de Cambridge.

Una nueva vida

Pero en Cambridge, como antes en Edimburgo y en la escuela, Darwin perdió el tiempo por lo que al estudio se refiere, a menudo descuidado para dar satisfacción a su pasión por la caza y por montar a caballo, actividades que ocasionalmente culminaban en cenas con amigos de las que Darwin conservó un recuerdo -posiblemente exagerado- como de auténticas francachelas. Con todo, su indolencia quedó temperada por la adquisición de sendos gustos por la pintura y la música, de los que él mismo se sorprendió más tarde, dada su absoluta carencia de oído musical y su incapacidad para el dibujo (un «mal irremediable», junto con su desconocimiento práctico de la disección, que representó una desventaja para sus trabajos posteriores).

Más que de los estudios académicos que se vio obligado a cursar, Darwin extrajo provecho en Cambridge de su asistencia voluntaria a las clases del botánico y entomólogo reverendo John Henslow, cuya amistad le reportó «un beneficio inestimable» y que tuvo una intervención directa en dos acontecimientos que determinaron su futuro: por una parte, al término de sus estudios en abril de 1831, Henslow le convenció de que se interesase por la geología, materia por la que las clases recibidas en Edimburgo le habían hecho concebir verdadera aversión, y le presentó a Adam Sedgwick, fundador del sistema cambriano, quien inició precisamente sus estudios sobre el mismo en una expedición al norte de Gales realizada en abril de ese mismo año en compañía de Darwin (treinta años más tarde, Henslow se vería obligado a defender al discípulo común ante las violentas críticas dirigidas por Sedgwick a las ideas evolucionistas); por otra parte, lo que es aún más importante, fue Henslow quien le proporcionó a Darwin la oportunidad de embarcarse como naturalista con el capitán Robert Fitzroy y acompañarle en el viaje que éste se proponía realizar a bordo del Beagle alrededor del mundo.

En un principio su padre se opuso al proyecto, manifestando que sólo cambiaría de opinión si «alguien con sentido común» era capaz de considerar aconsejable el viaje. Ese alguien fue su tío -y futuro suegro- Josiah Wedgwood, quien intercedió en favor de que su joven sobrino cumpliera el objetivo de viajar que Darwin se había fijado ya meses antes, cuando la lectura de Humboldt suscitó en él un deseo inmediato de visitar Tenerife y empezó a aprender castellano y a informarse acerca de los precios del pasaje. El 27 de diciembre de 1831 el Beagle zarpó de Davenport con Darwin a bordo y dispuesto a comenzar la que él llamó su «segunda vida», tras dos meses de desalentadora espera en Plymouth, mientras la nave era reparada de los desperfectos ocasionados en su viaje anterior, y después de que la galerna frustrara dos intentos de partida. Durante ese tiempo, Darwin experimentó «palpitaciones y dolores en el corazón» de origen más que probablemente nervioso, como quizá también lo habrían de ser más tarde sus frecuentes postraciones. Sin saberlo, Darwin había corrido el riesgo de ser rechazado por Fitzroy, ya que éste, convencido seguidor de las teorías fisiognómicas del sacerdote suizo Johann Caspar Lavater estimó en un principio que la nariz del naturalista no revelaba energía y determinación suficientes para la empresa.

El viaje del Beagle

El objetivo de la expedición dirigida por Fitzroy era el de completar el estudio topográfico de los territorios de la Patagonia y la Tierra del Fuego, el trazado de las costas de Chile, Perú y algunas islas del Pacífico y la realización de una cadena de medidas cronométricas alrededor del mundo. El periplo, de casi cinco años de duración, llevó a Darwin a lo largo de las costas de América del Sur, para regresar luego durante el último año visitando las islas Galápagos, Tahití, Nueva Zelanda, Australia, Mauricio y Sudáfrica. Durante ese período su talante experimentó una profunda transformación. La antigua pasión por la caza sobrevivió los dos primeros años con toda su fuerza y fue él mismo quien se encargó de disparar sobre los pájaros y animales que pasaron a engrosar sus colecciones; poco a poco, sin embargo, esta tarea fue quedando encomendada a su criado a medida que su atención resultaba cada vez más absorbida por los aspectos científicos de su actividad.

El estudio de la geología fue, en un principio, el factor que más contribuyó a convertir el viaje en la verdadera formación de Darwin como investigador, ya que con él entró inexcusablemente en juego la necesidad de razonar. Darwin se llevó consigo el primer volumen de los Principles of Geology de Charles Lyell, autor de la teoría llamada de las causas actuales y que habría de ser su colaborador en la exposición del evolucionismo; desde el reconocimiento de los primeros terrenos geológicos que visitó (la isla de São Tiago, en Cabo Verde), Darwin quedó convencido de la superioridad del enfoque preconizado por Lyell. En Sao Tiago tuvo por vez primera la idea de que las rocas blancas que observaba habían sido producidas por la lava derretida de antiguas erupciones volcánicas, la cual, al deslizarse hasta el fondo del mar, habría arrastrado conchas y corales triturados comunicándoles consistencia rocosa. Hacia el final del viaje, Darwin tuvo noticia de que Sedgwick había expresado a su padre la opinión de que el joven se convertiría en un científico importante; el acertado pronóstico era el resultado de la lectura por Henslow, ante la Philosophical Society de Cambridge, de algunas de las cartas remitidas por Darwin.

La teoría sobre la formación de los arrecifes de coral por el crecimiento de éste en los bordes y en la cima de islas que se iban hundiendo lentamente, fue el primero en ver la luz (1842) de entre los logros científicos obtenidos por Darwin durante el viaje. Junto a éste y al establecimiento de la estructura geológica de algunas islas como Santa Elena, está el descubrimiento de la existencia de una cierta semejanza entre la fauna y la flora de las islas Galápagos con las de América del Sur, así como de diferencias entre los ejemplares de un mismo animal o planta recogidos en las distintas islas, lo que le hizo sospechar que la teoría de la estabilidad de las especies podría ser puesta en entredicho. Fue la elaboración teórica de esas observaciones la que, años después, resultó en su enunciado de las tesis evolutivas.

Darwin regresó a Inglaterra el 2 de octubre de 1836; el cambio experimentado en esos años debió de ser tan notable que su padre, «el más agudo observador que se haya visto de natural escéptico y que estaba lejos de creer en la frenología», al volverlo a ver dictaminó que la forma de su cabeza había cambiado por completo. También su salud se había alterado; hacia el final del viaje se mareaba con más facilidad que en sus comienzos, y en el otoño de 1834 había estado enfermo durante un mes. Se ha especulado con la posibilidad de que en marzo de 1835 contrajera una infección latente de la llamada enfermedad de Chagas como consecuencia de la picadura de un insecto. De todos modos desde su llegada hasta comienzos de 1839 Darwin vivió los meses más activos de su vida, pese a las pérdidas de tiempo que le supuso el sentirse ocasionalmente indispuesto. Trabajó en la redacción de su diario del viaje (publicado en 1839) y en la elaboración de dos textos que presentaran sus observaciones geológicas y zoológicas. Instalado en Londres desde marzo de 1837, se dedicó a «hacer un poco de sociedad», actuando como secretario honorario de la Geological Society y tomando contacto con Lyell. En julio de ese año empezó a escribir su primer cuaderno de notas sobre sus nuevos puntos de vista acerca de la «transmutación de las especies», que se le fueron imponiendo al reflexionar acerca de sus propias observaciones sobre la clasificación, las afinidades y los instintos de los animales, y también como consecuencia de un estudio exhaustivo de cuantas informaciones pudo recoger relativas a las transformaciones experimentadas por especies de plantas y animales domésticos debido a la intervención de criadores y horticultores.

Sus investigaciones, realizadas sobre la base de «auténticos principios baconianos», pronto le convencieron de que la selección era la clave del éxito humano en la obtención de mejoras útiles en las razas de plantas y animales. La posibilidad de que esa misma selección actuara sobre los organismos que vivían en un estado natural se le hizo patente cuando en octubre de 1838 leyó «como pasatiempo» el ensayo de Malthus sobre la población, dispuesto como se hallaba, por sus prolongadas observaciones sobre los hábitos de animales y plantas, a percibir la presencia universal de la lucha por la existencia, se le ocurrió al instante que, en esas circunstancias, las variaciones favorables tenderían a conservarse, mientras que las desfavorables desaparecerían, con el resultado de la formación de nuevas especies. Darwin estimó que, «al fin, había conseguido una teoría con la que trabajar»; sin embargo, preocupado por evitar los prejuicios, decidió abstenerse por un tiempo de «escribir siquiera el más sucinto esbozo de la misma». En junio de 1842 se permitió el placer privado de un resumen muy breve -35 páginas escritas a lápiz-, que amplió hasta 230 páginas en el verano del año 1844.

Por entonces, Darwin había contraído matrimonio el 29 de enero de 1839 con su prima Emma Wedgwood. Residieron en Londres hasta septiembre de 1842, cuando la familia se instaló en Down, en el condado de Kent, buscando un género de vida que se adecuase mejor a los frecuentes períodos de enfermedad que, a partir del regreso de su viaje, afligieron constantemente a Darwin. Por lo demás, los años de Londres fueron, por lo que a vida social se refiere, un preludio del retiro casi total en el que vivió en Down hasta el final de sus días. El 27 de diciembre de 1839 nació el primer hijo del matrimonio y Darwin inició con él una serie de observaciones, que se prolongaron a lo largo de los años, sobre la expresión de las emociones en el hombre y en los animales. Tuvo diez hijos, seis varones y cuatro mujeres, nacidos entre 1839 y 1856, de los que dos niñas y un niño murieron en la infancia.

La teoría de la evolución

Durante los primeros años de su estancia en Down, Darwin completó la redacción de sus trabajos sobre temas geológicos y se ocupó también de una nueva edición de su diario de viaje, que en un principio había aparecido formando parte de la obra publicada por Fitzroy sobre sus expediciones; en las notas autobiográficas que redactó en 1876 (reveladoramente tituladas como Recollections of the Development of my Mind and Character), Darwin reconoció que «el éxito de este mi primer retoño literario siempre enardece mi vanidad más que el de cualquier otro de mis libros». De 1846 a 1854 Darwin estuvo ocupado en la redacción de sus monografías sobre los cirrípodos, por los que se había interesado durante su estancia en las costas de Chile al hallar ejemplares de un tipo que planteaba problemas de clasificación. Esos años de trabajo sirvieron para convertirlo en un verdadero naturalista según las exigencias de su época, añadiendo al aprendizaje práctico adquirido durante el viaje la formación teórica necesaria para abordar el problema de las relaciones entre la historia natural y la taxonomía. Además, sus estudios sobre los percebes le reportaron una sólida reputación entre los especialistas, siendo premiados en noviembre de 1853 por la Royal Society, de la que Darwin era miembro desde 1839.

A comienzos de 1856 Lyell aconsejó a Darwin que trabajara en el completo desarrollo de sus ideas acerca de la evolución de las especies. Darwin emprendió entonces la redacción de una obra que, aun estando concebida a una escala tres o cuatro veces superior de la que luego había de ser la del texto efectivamente publicado, representaba, en su opinión, un mero resumen del material recogido al respecto. Pero, cuando se hallaba hacia la mitad del trabajo, sus planes se fueron al traste por un suceso que precipitó los acontecimientos: en el verano de 1858 recibió un manuscrito que contenía una breve pero explícita exposición de una teoría de la evolución por selección natural, que coincidía exactamente con sus propios puntos de vista. El texto, remitido desde la isla de Ternate, en las Molucas, era obra de Alfred Russell Wallace, un naturalista que desde 1854 se hallaba en el archipiélago malayo y que ya en 1856 había enviado a Darwin un artículo sobre la aparición de especies nuevas con el que éste se sintió ampliamente identificado. En su nuevo trabajo, Wallace hablaba como Darwin, de «lucha por la existencia», una idea que, curiosamente, también le había venido inspirada por la lectura de Malthus. Darwin puso a Lyell en antecedentes del asunto y le comunicó sus vacilaciones acerca de cómo proceder respecto de la publicación de sus propias teorías, llegando a manifestar su intención de destruir sus propios escritos antes que aparecer como un usurpador de los derechos de Wallace a la prioridad. El incidente se saldó de manera salomónica merced a la intervención de Lyell y del botánico Joseph Dalton Hooker, futuro director de los Kew Gardens creados por su padre y uno de los principales defensores de las teorías evolucionistas de Darwin, con quien le unió una estrecha amistad desde 1843. Siguiendo el consejo de ambos, Darwin resumió su manuscrito, que fue presentado por Lyell y Hooker ante la Linnean Society el 1 de julio de 1858, junto con el trabajo de Wallace y con un extracto de una carta remitida por Darwin el 5 de septiembre de 1857 al botánico estadounidense Asa Gray, en el que constaba un esbozo de su teoría. Wallace no puso nunca en cuestión la corrección del procedimiento; más tarde, en 1887, manifestó su satisfacción por la manera en que todo se había desarrollado, aduciendo que él no poseía «el amor por el trabajo, el experimento y el detalle tan preeminente en Darwin, sin el cual cualquier cosa que yo hubiera podido escribir no habría convencido nunca a nadie».

Tras el episodio, Darwin se vio obligado a dejar de lado sus vacilaciones por lo que a la publicidad de sus ideas se refería y abordó la tarea de reducir la escala de la obra que tenía entre manos para enviarla cuanto antes a la imprenta; en «trece meses y diez días de duro trabajo» quedó por fin redactado el libro On the Origin of Species by means of Natural Selection, or the Preservation of Favoured Races in the Struggle for Life, del que los primeros 1.250 ejemplares se vendieron el mismo día de su aparición, el 24 de noviembre de 1859. Las implicaciones teológicas de la obra, que atribuía a la selección natural facultades hasta entonces reservadas a la divinidad, fueron causa de que inmediatamente empezara a formarse una enconada oposición, capitaneada por el paleontólogo Richard Owen, quien veinte años antes había acogido con entusiasmo las colecciones de fósiles traídas por Darwin de su viaje. En una memorable sesión de la British Association for the Advancement of Science que tuvo lugar en Oxford el 30 de junio de 1860, el obispo Samuel Wilberforce en calidad de portavoz del partido de Owen ridiculizó con brillante elocuencia las tesis evolucionistas, provocando una contundente réplica por parte de Thomas Henry Huxley, zoólogo, que fue el principal defensor ante la oposición religiosa de las tesis de Darwin, ganándose el sobrenombre de su bulldog. A la pregunta de Wilberforce sobre si a Huxley le hubiera sido indiferente saber que su abuelo había sido un mono, la respuesta inmediata fue, según el testimonio de Lyell: «Estaría en la misma situación que su señoría».

Darwin se mantuvo apartado de la intervención directa en la controversia pública hasta 1871, cuando se publicó su obra The Descent of Man and Selection in Relation to Sex, donde expuso sus argumentos en favor de la tesis de que el hombre había aparecido sobre la Tierra por medios exclusivamente naturales. Tres años antes había aparecido su estudio sobre la variación en animales y plantas por los efectos de la selección artificial, en el que trató de formular una teoría sobre el origen de la vida en general («pangénesis»), que resultó ser la más pobre de sus aportaciones a la biología. En 1872, con The Expression of the Emotions in Man and Animals, obra seminal de lo que luego sería el estudio moderno del comportamiento, Darwin puso fin a sus preocupaciones por los problemas teóricos y dedicó los últimos diez años de su vida a diversas investigaciones en el campo de la botánica.

A finales de 1881 comenzó a padecer graves problemas cardíacos y falleció a consecuencia de un ataque al corazón el 19 de abril de 1882.

Los peatones ‘conquistan’ Callao

Los peatones ‘conquistan’ Callao

Casi cinco millones de euros para una superficie de 20.697 metros cuadrados y siete meses de ejecución. Son las cifras del proyecto para remodelar la plaza de Callao y su entorno, financiado por el Fondo Estatal de Inversión Local, cuyas obras comienzan el próximo mes de abril. La Junta de Gobierno ha dado hoy luz verde a estos trabajos, que afectan a la plaza de Callao, a las calles de Preciados, Jacometrezo, Silva y San Bernardo, y a la Cuesta de Santo Domingo. Con la reforma los peatones ganan un 40% de superficie.

La plaza de Callao tiene una acera perimetral de siete metros y en el centro, una zona estancial fracturada en dos isletas. Presenta algunas debilidades que condicionan el entorno como un espacio de oportunidades urbanas con un intenso tráfico rodado, una gran actividad peatonal en convivencia con otros usos y un mobiliario urbano heterogéneo y concentrado. El proyecto de remodelación contempla diversas líneas de trabajo con el fin de convertir estas debilidades en fortalezas, recuperando el entorno intervenido para integrarlo adecuadamente en el conjunto de la trama urbana en el que se ubica.

Principales actuaciones

- Plaza de Callao y Preciados: Gracias a su peatonalización, los viandantes ganan un 89% de superficie
- La calle Jacometrezo se convierte en nudo intermodal al absorber el actual tráfico de autobuses de Callao. Quedará restringido el paso exclusivo por esta calle a autobuses y vehículos autorizados
- En la calle Silva, las obras eliminarán el aparcamiento en superficie y se gana un carril de circulación
- En San Bernardo (tramo plaza de Santo Domingo y Gran Vía) se suprime también el aparcamiento en superficie. La ampliación de la acera, la incorporación de carril bus y la colocación de  paradas de autobús para complementar el intercambiador de Jacometrezo son otras de las actuaciones incluidas en San Bernardo
- La Cuesta de Santo Domingo gana un 64% de aceras y elimina de manera parcial el aparcamiento en superficie. La Cuesta de Santo Domingo servirá de conexión preferentemente peatonal con la plaza de Isabel II, Arenal y la Plaza de Oriente.

Peatonalización
Las líneas estratégicas de esta apuesta son peatonalizar íntegramente Callao y Preciados, mejorar la accesibilidad, renovar pavimentos, alumbrado público y el mobiliario urbano, así como plantar nuevo arbolado.

El peatón recupera en Callao un 76% de espacio para su uso exclusivo, y un 117% en la calle Preciados.

El conjunto de actuaciones supone un incremento de 3.240 m2 de superficie ganada para el uso peatonal.

Mejora de la accesibilidad y arbolado
El Ayuntamiento realizará una profunda revisión y mejora en términos de accesibilidad mediante la eliminación de barreras (rebaje de bordillos, reordenación del mobiliario urbano, alcorques adaptados), de las peatonalizaciones o ampliaciones de aceras proyectadas, y a través de pavimentos diferenciados para crear itinerarios-guía para las personas con discapacidad visual (tramo Preciados-plaza de Callao). 

Se plantarán 48 nuevos árboles en Callao y su entorno, que se sumarán a los 28 actuales. Para crear áreas de sombra y descanso en la temporada más cálida y permitir los rayos solares en invierno, los árboles elegidos son ‘acer platanoide', de hoja caduca.

Alumbrado público
La recuperación de Callado incluye el incremento y evaluación en términos ambientales del alumbrado público mediante la sustitución de 83 puntos de luz. A éstos se suman 39 nuevas luminarias para reducir la contaminación lumínica y la mejora de la eficiencia energética.

Mobiliario urbano
Nuevos bancos y papeleras en todo el ámbito de actuación, así como marquesinas y aparcamientos para bicis en el área intermodal

Fundación Caja Madrid y el Museo Thyssen-Bornemisza

Fundación Caja Madrid y el Museo Thyssen-Bornemisza

Una antigua fábula de Plinio el Viejo († 79 d.C.) sitúa el origen de la pintura en Corinto, donde una joven muchacha, hija del alfarero Butades de Sición, habría trazado el contorno de su amante sobre una pared, ayudada por la luz de una vela. “La sombra” como tema artístico ha estado indivisiblemente unida a la historia del arte occidental; su intencionalidad ha sido fundamentalmente naturalista, al subrayar la verosimilitud de lo representado, pero cada época la ha dotado de connotaciones diferentes. La presente exposición, además de tratarse de la primera gran monográfica sobre el tema, se propone llamar la atención del público sobre la existencia de caminos transversales y mostrar los hilos, a veces ocultos, que unen diferentes épocas y artistas pese a la distancia cronológica que les separa.

Como en otras ocasiones, el discurso expositivo se realiza a través de las dos sedes de la muestra, en el Museo Thyssen-Bornemisza y en la Fundación Caja Madrid.

En las salas del Museo se presentan las obras que van desde el siglo XV hasta fines del siglo XIX, en un completo recorrido por algunos de los principales artistas que han representado y utilizado la sombra proyectada en sus composiciones. Tras un primer espacio de introducción dedicado a mostrar el mito de la sombra en el origen de la pintura, la muestra arranca con algunos ejemplos destacados de su estudio y utilización en la creación de perspectivas por parte de los artistas del Renacimiento, así como de las connotaciones simbólicas que tuvo en la época; el itinerario continúa con la obra de los pintores tenebristas del Barroco y su espectacular uso de luces y sombras, sigue con su incorporación como elemento narrativo fundamental en la época romántica y postromántica, hasta llegar a la representación de la sombra y la luz en el Impresionismo y el Simbolismo. Están presentes, entre otros, artistas como Jan Van Eyck, Lorenzo Lotto, Rembrandt, George de La Tour, Francisco de Goya, Camille Pissarro, Claude Monet, Édouard Vuillard, Félix Valloton o Santiago Rusiñol.

El siglo XX centra el contenido de las salas de exposición en la Fundación Caja Madrid, con especial atención a su utilización por parte de diversos artistas que, vinculados al denominado “retorno al orden” de los años 1920, recuperan en su obra el protagonismo de la sombra - Giorgio de Chirico, Edward Hopper o Pablo Picasso, entre otros-, y a la importancia de la sombra en los juegos de proyección de los pintores surrealistas, sobre todo René Magritte y Salvador Dalí. Los demás capítulos de esta segunda parte ofrecen un panorama del tema a lo largo de la segunda mitad del siglo XX, con obras de Susan Rothenberg, Claudio Parmiggiani, Andy Warhol y Roy Lichtsntein, entre otros, y a la utilización multimedia y lúdica del juego de sombras, desde la fotografía de Man Ray y André Kertész hasta las instalaciones actuales de Christian Boltanski, pasando por las experiencias cinematográficas de Murnau o Peter Greenaway.

MUSEO THYSSEN-BORNEMISZA
La invención de la pintura
La primera sala, concebida a modo de introducción, está dedicada a ilustrar el mito de Butades antes referido a través de la obra de artistas como Joseph Wright of Derby, David Allan y Joseph-Benoît Suvée. También se incluyen pinturas de Matías de Arteaga y Karl Friedrich Schinkel que se basan en Quintiliano († c. 96 d.C.), quien derivó el origen de la pintura en la circunscripción de las sombras solares sobre una pared. La sala se cierra con un cuadro de los pintores contemporáneos Vitaly Komar y Alexander Melamid que retoma el mito de Butades para ironizar sobre los fundamentos clasicistas del realismo socialista.

Renacimiento
Aunque las primeras sombras en el arte datan del siglo IV a.C.- vinculadas todavía a escenografías teatrales y al sombreado de objetos en relieve-, la sombra proyectada hace su verdadera aparición en el Renacimiento. Durante el siglo XV todavía se produce un acercamiento empírico a la sombra mientras que, un siglo después, su uso se vincula ya estrechamente con la perspectiva. La sombra, como resultado de la interposición de un cuerpo sólido y opaco entre una fuente de la luz y una superficie de proyección, fue objeto de experimentación temprana por parte de artistas como Gentile da Fabriano, Giovanni di Paolo, Pier Maria Pennacchi, Lorenzo Lotto o el maestro de la Leyenda de la Magdalena presentes en la exposición. Por otra parte, la sombra en el Renacimiento adquirió una importante connotación simbólica vinculada al tema de la Anunciación; así, en las obras de Jan van Eyck, Lorenzo de Credi y Lodovico Carracci reunidas en la sala, el reflejo opaco del Ángel o de la Virgen alude a la “sombra del Todopoderoso”, bajo cuyo poder se produce el milagro de la Encarnación.

Barroco
A partir del Renacimiento, al tiempo que se asiste a una profundización en el conocimiento de la representación de las sombras -que llegará a formar parte de la enseñanza de las academias-, se limita su uso debido a su tendencia a ensuciar o emborronar la composición en detrimento de la claridad visual del cuadro. No obstante, los pintores “tenebristas” del Barroco supieron explotar las espectaculares posibilidades de la sombra como nunca antes se había logrado. La sala presenta una selección de escenas religiosas de Jean Leclerc, Matthias Stom, Gerrit van Honthorst, Hendrick ter Brugghen, Georges de La Tour, Matia Preti o del llamado Maestro de la Luz de la Vela, en las que la sombra sirve para enfatizar la presencia sagrada y su incardinación en la vida cotidiana. En las obras de Rembrandt, Pieter de Hooch y Gerrit Dou, reunidas también en este capítulo, la luz y la sombra construyen espacialmente la composición y sugieren la temporalidad de la escena.

Romanticismo y post-romanticismo
Con el siglo de las luces, la sombra alcanzó un nuevo protagonismo de la mano de Johann Caspar Lavater y sus “Fragmentos fisionómicos” (1776), con los que pretendía sentar las bases para el estudio de la personalidad humana a partir de la proyección del perfil del rostro sobre una pantalla. Pero el siglo XVIII fue también el del nacimiento de nuevos conceptos estéticos como lo “sublime”, y la sombra comenzó a ser valorada por sus cualidades narrativas, eminentemente negativas. Poco a poco se asiste a la aparición de una verdadera “estética de lo siniestro”, algunos de cuyos ejemplos más destacados se encuentran en la obra de Francisco de Goya, Heinrich Wilhelm Tischbein, Joseph Wright of Derby, Adolf Menzel, Jean-François Millet, William Holman Hunt, Jean-Paul Laurens, Gioacchino Toma y Émile Friant, de la que se ofrecerá una completa selección en esta sala.

Simbolismo y fin de siglo
El simbolismo, al apartarse de la representación naturalista de la realidad, encumbró la visión subjetiva como eje de la representación plástica. Lo misterioso y lo sombrío despertaron la creatividad de escritores y artistas. En las escenas de interior de Claude Monet, en las que varios personajes de una misma familia se concentran bajo la luz de una lámpara, todavía resuenan ecos del tardo-romanticismo francés, aunque con un mayor énfasis concedido al estudio de la luz y la sombra como fenómeno plástico. Su ejemplo fue seguido por los pintores nabis Édouard Vuillard y Félix Vallotton, en cuyos interiores la atmósfera se adensa y las formas tienden a aplanarse. Desde una óptica más literaria, la sombra también centrará buena parte de la producción de artistas como Léon Spilliaert, Xavier Mellery o el joven Frantisek Kupka.

Impresionismo
La exposición se cierra en las salas del Museo Thyssen-Bornemisza con una sección dedicada al Impresionismo. En ella se observa un giro importante en el tratamiento de la sombra que, por primera vez, abandona su carga narrativa para convertirse en sujeto de investigación exclusivamente plástico. La sombras de los árboles ocupan un lugar destacado en la obra temprana de Monet, pero es en Camille Pissarro y Alfred Sisley donde mejor se observa cómo las sombras coloreadas dejan atrás el tradicional empleo del negro y, con él, la carga peyorativa de la sombra. Otros artistas que completan la sala son Childe Hassam, Joaquín Sorolla, Santiago Rusiñol y Darío de Regoyos.

FUNDACIÓN CAJA MADRID


Realismos modernos
A comienzos del siglo XX las sombras fueron prácticamente desechadas por el cubismo y los movimientos abstractos subsiguientes, fieles a la bidimensionalidad del cuadro. Hubo que esperar a Giorgio de Chirico y al “retorno al orden” de los años veinte para que la sombra alcanzase un nuevo protagonismo. En De Chirico, al tiempo que denotan una verosimilitud ficticia, las sombras confieren a la escena un aire de pesadilla. Tal antinomia es propia de buena parte de los realismos del siglo XX, en los que lo siniestro convive con la falsa apariencia de un orden estable. Así ocurre, con diferentes matices, en la obra de Edward Hopper, Rockwell Kent, Christian Schad, Felix Nussbaum, Dick Ket, Carel Willink, Pyke Koch, Alfonso Ponce de León, Gregorio Prieto y Pablo Picasso, de los que se reúnen aquí algunos ejemplos significativos.

Surrealismo
Si algún movimiento de la pintura contemporánea dedicó un especial protagonismo al tratamiento de la sombra éste fue el surrealismo, principalmente en su vertiente vinculada a la representación de los sueños. Artistas como Salvador Dalí, Yves Tanguy, René Magritte, Paul Delvaux y Esteban Francés, dotaron a la representación de los sueños de una verosimilitud aún más acusada que la de la propia realidad contemplada por nuestros ojos, recurriendo para ello a una técnica minuciosa y al empleo masivo de las sombras. En Dalí, además, las sombras ayudan a recomponer imágenes contradictorias, dentro de lo que se ha denominado el método “paranoico-crítico”. Completan la sala las obras siempre intrigantes de Max Ernst y Joseph Cornell.

Del Pop Art a nuestros días
La sombra también ha jugado un papel importante en la pintura de la segunda mitad del siglo XX, a raíz del triunfo del Pop Art en el panorama artístico internacional de los años sesenta. Andy Warhol y Roy Lichtenstein, en su empleo de motivos y medios artísticos vinculados a la publicidad, dieron cabida a la sombra como un elemento más de la vida cotidiana. Warhol, en concreto, dedicó una serie completa al tema. En la estela del Pop, y más allá de él, la sombra ha continuado atrayendo la atención de artistas como Ed Ruscha, Gerhard Richter, Jürgen Klauke, Susan Rothenberg, Claudio Parmiggiani y Tobia Ercolino.

Fotografía
La fotografía ha sido descrita como el arte de la luz y la sombra. El protagonismo de la sombra en la fotografía del siglo XX ha marcado con su impronta a otras artes, como en el caso de la pintura ya referida. Remitiéndonos exclusivamente a la presente sala, se reunen en ella algunos de los ejemplos clásicos del tratamiento de la sombra en la obra de Man Ray, Brassaï, André Kertész, Umbo, Alexander Rodchenko, Constantin Brancusi, Jaroslav Rössler, Anton Stankowski, Eugen Wiskovsky, František Drtikol, Jaromír Funke, Imre Kinszki, Ansel Adams, Ralph Steiner, Dorothea Lange y Dorothy Norman. Junto a ellos también pueden contemplarse obras de los fotógrafos españoles Nicolás de Lekuona, Pere Català Pic, Francesc Català-Roca y Ramón Masats Tartera. Cierra la sección un conjunto de tres fotografías de gran tamaño de la artista británica contemporánea Sam Taylor-Wood.

Cine
La última sala de la exposición está dedicada a las sombras en el cine. En ella se proyectarán fragmentos de películas de Robert Wiene, Arthur Robinson, Friedrich Wilhelm Murnau, Fritz Lang, Sergei Eisenstein o Alfred Hitchcock, entre otros.

Datos de interés
Título: La Sombra
Fechas: Del 10 de Febrero al 17 de Mayo 2009
Organizadores y sedes: Museo Thyssen-Bornemisza y Fundación Caja Madrid
Comisario: Victor I. Stoichita, Catedrático de Historia del Arte en la Universidad de Friburgo
Número de obras: 144
Publicaciones: Catálogo con ensayos de Victor I. Stoichita, Santos Zunzunegui, José Ramón Esparza Estaun, Fernando Marías, Sergiusz Michalski, Hans-Georg von Arburg. Editado en español con apéndice en inglés. Guía didáctica.

Museo Thyssen-Bornemisza. Paseo del Prado 8, 28014 Madrid.
Horarios: de martes a domingo de 10.00 a 19.00 horas.
Tarifas: La taquilla cierra a las 18:30h.
Exposición temporal: 5 € (Reducida: 3,50 € para estudiantes y mayores de 65 años).
Exposición temporal + Colección permanente: 9 € (Reducida: 5 € para estudiantes y mayores de 65 años previa acreditación).
Venta anticipada de entradas a través de la web del Museo y en el 902 050 121
Más información: 91 369 01 51 y www.museothyssen.org

Fundación Caja Madrid. Plaza de San Martín, 1, 28013 Madrid
Horario: de martes a domingo de 10.00 a 20.00 horas
Entrada libre. Más información: 902 246 810 y www.fundacioncajamadrid.org

"Cow Parade Madrid"

"Cow Parade Madrid"

Madrid se convertirá, entre los meses de enero y marzo, en un apacible prado en el que pastarán, con sus mejores galas artísticas, una manada de unas peculiares 150 vacas.

El responsable de organización de "Cow Parade Madrid", José Cardoso, anunció que tras intensas reuniones con el Ayuntamiento de Madrid han acordado ampliar la zona en la que se expondrán las vacas, inicialmente en el distrito de Salamanca, a los distritos de Retiro y Centro, con el fin de que la muestra "llegue a más rincones de la ciudad".

'Cow Parade' se inició en 1988 en la ciudad suiza de Zúrich, y desde entonces más de 5.000 vacas han pastado en 50 ciudades de todo el mundo, entre ellas Nueva York, Londres, París, Sao Paulo, Buenos Aires o Tokio, en las que unos 200 millones de personas han disfrutado con esta peculiar forma de arte.

La organización de CowParade ha recibido ya más de 850 propuestas de diseño de vaca en el concurso '¡Pinta una Vaca!', que desde finales de mayo hasta el pasado 27 de julio ha estado abierto en la página web www.cowparademadrid.com . No sólo artistas, sino también ciudadanos aficionados al arte, han presentado sus bocetos, diseñadores, pintores o particulares que acepten el desafío de cambiar el soporte tradicional de sus obras de arte para crear la imagen y decoración de una vaca, realizada a escala real y con fibra de vidrio.

Los artistas seleccionados por la organización de 'Cow Parade' pueden pintar, esculpir, transformar o adornar como deseen las vacas, disponibles en 3 formatos: de pie, pastando y tumbadas.

Una artista pinta una vaca durante la presentación de la 'Cow Parade' madrileña. (Foto: EFE)
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Una artista pinta una vaca durante la presentación de la 'Cow Parade' madrileña. (Foto: EFE)

El grafittero SUSO33 y el escultor Víctor Ochoa han anunciado que participarán en el proyecto. Asimismo, también han confirmado su participación el artista Alfonso Berridi, el diseñador de moda Antonio Alvarado y el creador Sean Mackaoui.

Las vacas que pinten y decoren estos creadores serán expuestas entre enero y marzo de 2009, junto al resto de los más de cien ejemplares que compondrán la manada de 'CowParade'.

'Hospital' para el ganado

Como no se pondrá un dispositivo especial de seguridad en torno a los exclusivos bovinos, a excepción de una base de cemento de 400 kilos, "Cow Parade" ya cuenta con la posibilidad de que sufran desperfectos producto de actos vandálicos, para lo cual las vacas tendrán a su disposición una ambulancia permanente y personal "médico" adecuado que las trasladará al Hospital de Vacas.

Este Hospital de Vacas se integrará en el Hospital del Niño Jesús en forma de taller, dónde, además de reparar los daños que puedan sufrir los rumiantes, se ofrecerá a los niños enfermos la posibilidad de colaborar con ese taller artístico.

El director del evento en Madrid, José Cardoso, indicó en la presentación de uno de los mayores y más divertidos acontecimientos artísticos de carácter público del mundo que a partir de hoy los organizadores se lanzarán a la búsqueda de unas 600 empresas que quieran "adoptar" una vaca a cambio de asociarse a un evento único y de gran repercusión.

Las marcas patrocinadoras, que deberán pagar 12.000 euros por cada rumiante, pueden beneficiarse de la comunicación y de las actividades del evento por un periodo de más de seis meses.

Creadas al aire libre

Los artistas seleccionados podrán pintar sus vacas en un taller de pintura abierto a los ciudadanos entre los meses de octubre y noviembre, que estará situado en la céntrica plaza Felipe II.

Una vez terminado su trabajo, se hará una fiesta de inauguración oficial y esa noche los rumiantes se colocarán en las calles, invitando a los colegios de la ciudad a participar en la iniciativa, bien pintando pequeños ejemplares (mini-muus) u organizando excursiones a la zona.

Al final de la exposición, la casa Christie’s organizará en abril una subasta benéfica aunque de especial interés para amantes del arte, empresarios y artistas.

Entre los famosos que se han animado a unirse a la manada y adoptar una vaca se encuentran personajes como Elton Jhon, Oprah Winfrey, Ringo Starr, Nelson Mandela, el Rey de Jordania, el Príncipe Alberto de Mónaco o el Emperador de Japón.

La nieve colapsa Madrid

La nieve colapsa Madrid

Una mañana cubierta de nieve. El temporal de frío que atraviesa el centro de la península ha colapsado por completo Madrid con una intensa nevada, la primera del año. Atascos kilométricos en todas las carreteras de acceso a la ciudad, miles de ciudadanos sin poder llegar al trabajo a tiempo, caos en el transporte público y cruce de acusaciones entre las administraciones.

Ni Esperanza Aguirre se ha librado de las consecuencias del temporal. La presidenta de la Comunidad de Madrid ha tenido que retrasar un viaje a Valencia por el cierre temporal del aeropuerto de Barajas.

"Que Madrid quede colapsada no debería haber ocurrido. No culpamos a nadie sino que queremos saber que ha fallado", ha dicho Aguirre, en declaraciones recogidas por Europa Press. La presidenta madrileña ha desviado la responsabilidad al asegurar que "no nos ha llegado a tiempo y no ha habido información suficiente para declarar una alerta adecuada".

Por su parte, a Agencia Estatal de Meteorología (AEMET) confirmó a elmundo.es que "los organismos competentes de la Comunidad de Madrid" fueron informados puntualmente de la previsión meteorológica y de las alertas de nieve. Concretamente, AEMET activó a las 22.52 del jueves la alerta amarilla con previsión de precipitaciones en forma de nieve, indicando que la nieve podría alcanzar los dos centímetros de espesor.

En un nuevo parte, fechado a las las 7.30 de la mañana de hoy -antes de que comenzara la monumental nevada- AEMET incrementó la alerta hasta el nivel naranja, que advertía de que la nieve podría alcanzar hasta los 20 centímetros de espesor. Un portavoz del servicio meteorológico estatal ha recalcado que estas informaciones llegan "puntualmente y por distintos medios" tanto a la Comunidad de Madrid como al Ayuntamiento de la capital.

El Ayuntamiento de Madrid, por su parte, reconoció que se registraron "incidencias" en la ciudad. Entre esas incidencias, lo más destacado de este viernes 'blanco' han sido los monumentales atascos y el colapso que ha sufrido el transporte público, especialmente los autobuses urbanos.

Según la Empresa Municipal de Transportes, hasta 40 líneas de autobuses urbanos han estado "completamente paradas", al verse atrapados un centenar de vehículos de la compañía, según ha informado un portavoz de EMT. Según los datos facilitados a elmundo.es, todas las líneas han sufrido importantes retrasos. El servicio de Cercanías de Renfe también sufren demoras de hasta 30 minutos.

El área de Medio Ambiente ha defendido su gestión de la crisis de la nieve. Una portavoz de la concejalía dirigida por Ana Botella afirmó que "se ha hecho todo lo posible". Según los datos del Consistorio, más de 4.500 operarios y 379 vehículos quita nieve han trabajado durante todo el día para normalizar la situación.

Desde la concejalía se ha negado en todo momento cualquier falta de previsión, alegando que más de 3.700 toneladas de sal estaban almacenadas para contingencias de este tipo. Según los datos facilitados por Medio Ambiente, los operarios comenzaron a esparcir la sal en la madrugada de ayer, en "puntos estratégicos" como colegios, hospitales e intercambiadores de transporte. Hasta las 13.00 horas se habían repartido por las calles de la capital 279 toneladas de sal.

Is This The Way To Amarillo

Is This The Way To Amarillo

Este es el camino a Amarillo, es una canción escrita por Neil Sedaka y Howard Greenfield, refiriéndose a Amarillo, Texas. Se trata de un hombre de viajar a Amarillo para encontrar a su novia.La razón por la que fue elegido para la canción fue porque estaba el único lugar  que podría pensar en que en versos de "sauce" y "almohada". Musicalmente.

Aunque escrito por dos norte-americanos sobre una ciudad de EE.UU., la canción se hizo famoso en el Reino Unido y alrededor de Europa, y en general sigue siendo desconocido en los Estados Unidos.

La canción fue grabada por Tony Christie y puesto en libertad en el Reino Unido en noviembre de 1971, inicialmente alcanzar el número 18 en el Reino Unido Singles Chart. Sin embargo, es sustancialmente mayor éxito en ese momento en toda Europa continental, en particular en Alemania y España, donde hizo el número uno. En Alemania, la canción del coro es ampliamente adaptado como un canto de fútbol y hockey fans aun hoy en día. Tras su re-emisión en 2005 - cuando alcanzó el número uno en el Reino Unido - la canción ganó mayor popularidad. En 2006 se desempeñó en la final de la Copa Mundial en Berlín y fue el desempeñado por la banda central de la Legión Real Británica en Centro de Corte en Wimbledon antes del comienzo de la final en individuales . 
 
 
La cantante holandesa Albert Occidental cubierto la canción en 2005, con lo que el holandés gráficos. Después de la exitosa reedición de la canción en el Reino Unido, Tony Christie re-grabó con la de Hermes House Band; trazado esta versión en Alemania en 2005. Existe también una versión en alemán de Roberto Blanco.


Peter Kay
En 2002, Tony Christie la versión se utilizó en la serie de comedia británico Peter Kay Noches de Phoenix. La canción fue re-lanzado el 14 de marzo de 2005 para recaudar dinero para la caridad Comic Relief, que acompaña con un video donde Peter Kay mimed la canción acompañada de diversas celebridades incluidas Shakin ’Stevens, Shaun Ryder, Bez, Michael Parkinson, Heather Mills, Danny Baker, Ronnie Corbett, el Sr. Blobby, Jim Bowen, verano de Cliff Richard (Lookalike la misma se utiliza en el Peter Kay Noches del spin off de Phoenix, Max y Paddy’s Road a ninguna parte) y Mahatma Gandhi, William Roache, Anne Kirkbride, Jimmy Savile, Bernie Clifton, Keith Harris y Orville el Pato, Sooty, Barrido, Brian May, Roger Taylor, Geoffrey Hayes y Bungle y Tony Christie mismo. Dentro de los primeros camafeos, Max y Peter Kay Paddy de las Noches de Phoenix y sus spin-offs aparecen juntos, y finalmente el argumento de la lucha en el corredor de los estudios de la BBC. Esta es una de las muchas apariciones de los personajes de Peter Kay la serie de televisión, incluyendo Paddy’s jugando tenis de celda Cliff (Cliff Richard Lookalike) de Max y Paddy’s Road a ninguna parte, y un enano de fútbol y Brian Potter Noches de Phoenix. El vídeo se compone casi totalmente de Kay caminando hacia la cámara, flanqueado por los distintos emparejamientos de las celebridades, frente a cada vez más extraño y poco probable orígenes. Esta vez la canción alcanzó el número 1 en el Reino Unido gráfico y permaneció allí por 7 semanas vendiendo más de un millón de copias, convirtiéndose en el Reino Unido de mayor venta única de 2005.

Durante el 2005 el éxito de la canción, fue acreditado en el gráfico rundowns apariciones y otros medios de comunicación a "Tony Christie con Peter Kay". Sin embargo, Kay no aparece en el registro, ya que es una nueva emisión de la versión 1971 y no una re-grabación.

BBC One Esta Semana utilizado esta parodia del video de Kay, con presentador Andrew Neil, por su apertura de los títulos en el periodo previo a las elecciones de 2005.

El 13 de mayo de 2005, otro falso vídeo de la canción hecha por la Guardia Real draguna estacionado en Iraq fue enviado por correo electrónico con tanta frecuencia se estrelló en un servidor del Ministerio de Defensa. La parodia se titula "¿Es este el camino a Armadillo", y es visible aquí y aquí.

El 6 de agosto de 2006, la tripulación Riverton Rover también hizo una parodia de la concesión que gana el Tony Christie vídeo disponible aquí.

El 2 de julio de 2005, Peter Kay, se unió a la multitud, cantó un fragmento de la canción a capella, antes de la introducción de la OMS en Live 8 en Londres concierto. Antes de esto, en el 4 de mayo de 2005 el concierto de la Reina + Paul Rodgers en el Manchester Evening News Arena, Kay y su co-estrella regular Paddy McGuinness llevó a la multitud en un improvisado cuando presentó la entrega de la banda bis. La pareja más tarde se invitó a volver al escenario para tener un arco con la banda al final del espectáculo.


Fútbol
A principios de los años 1970, después de su ejecución a la final en la Copa de Texaco, Airdrieonians FC que cantan a la música de "Amarillo", el cambio de la última línea a "Airdrie Texaco para la Copa". Esta canción fue revivido por Airdrie aficionados después de la liberación de Pedro Kays versión. Desde finales del decenio de 1990, el club de la Premier League de Escocia Falkirk FC han desempeñado Amarillo después de un gol anotado por el club como en casa. Esto precede a la reedición de Christie y Peter Kay y se puso de relieve cuando Tony Christie se añadió a la gama de los artistas intérpretes o ejecutantes en el Gran concierto de música en Falkirk para realizar la canción con el Falkirk juego después de gerente de personal y el club ganó la promoción a el SPL en el verano de 2005

El equipo de Fútbol Inglés, Bolton Wanderers F.C. (Peter Kay natal club) han tenido como Amarillo ’Gol’ canción desde la temporada 2004/05 Premier League (aunque me siento bien aún se utiliza en ocasiones). Una versión de la canción cantada por los fans reemplaza la cuarta línea con el coro de "El-Hadji Diouf, se escupen sobre usted". La canción es también de uso frecuente por parte local de Christie’s, Doncaster Rovers FC

Birmingham City Football Club es la versión de "¿Es así como a martillo Villa" tras derrotar 5-0 a más de dos juegos en su primera temporada en la parte superior de vuelo.

FC Amarillo Inglés no es una liga de fútbol de Chelmsford, Essex, creado en noviembre de 2004 después de haber oído la canción de "Noches de Phoenix y gemidos a un" impresionado "Edimburgo público después de una noche inolvidable. Nombre de su equipo se ha traducido en el logro de ellos la fama después de ser limitado en el Reino Unido presentó la revista mensual de fútbol de Cuatro Cuatro Dos de mayo de edición 2008 bajo la bandera de Mejor Club de Fútbol Nombres.

Madrid en Navidad

Madrid en Navidad

Si tuviéramos que elegir una palabra para definir estas fechas elegiríamos fiesta. Aunque también podríamos escoger muchas otras: alegría desbordante, calles iluminadas, celebración… Disfruta de Madrid en Navidad: no te lo puedes perder.

Cuando llega el mes de diciembre la ciudad se prepara para transformar su imagen habitual y convertirse en otra mucho más dinámica y efervescente, donde las propuestas de ocio y cultura se multiplican casi hasta el infinito.

Todo comienza con el encendido de las luces que iluminarán cada rincón desde el 28 de noviembre hasta principios de enero. Diseñadores y arquitectos de prestigio serán los encargados de ‘vestir la ciudad’ una vez más. Las novedades de este año vienen de la mano de David Delfín -que propone líneas muy sencillas y dinámicas para adornar la calle de Jorge Juan-, Oscar Mariné –que reflexiona sobre la calma y el silencio en la Gran Vía-, y Teresa Sapey, entre otros, que llenará la plaza de Tirso de Molina con ojos que se abren y cierran.

Repiten los diseños de Ágatha Ruiz de la Prada, Juan Duyos, Elio Berhanyer… que también están detrás de grandes abetos repartidos por toda la ciudad, como el de Devota & Lomba, que presidirá la puerta del Sol.

Para pequeños... y grandes

 Los más pequeños tienen su sitio reservado en estas fiestas en la llamada Ciudad de los Niños, en la plaza de Colón, con espectáculos, juegos y talleres especialmente pensados para ellos. La imaginación es nota dominante en estas fechas y este año alcanza su máxima expresión en el parque de El Retiro, en el sorprendente Carrusel de Navidad con el que el francés François Delarozière pretende hacer girar y girar a todo el mundo.

Formado por insectos y animales extraordinarios que activan sus movimientos mediante palancas, este singular tiovivo hará volar a todos aquellos que deseen viajar en él.

También se podrá viajar con el espíritu asistiendo al Festival de Góspel del Teatro Fernán Gómez o a alguno de los conciertos que tendrán lugar en iglesias y al aire libre, en alguna de las plazas más emblemáticas de Madrid. En una de ellas, la de Oriente, el Palacio Real abrirá sus puertas para mostrar uno de sus tesoros: un Belén napolitano del siglo XVIII. Será éste uno de los nacimientos que se podrán ver por toda la ciudad, como el que presidirá el Ayuntamiento y numerosas iglesias y museos.

La tradición continúa

Y mientras ocurra todo esto, la ciudad seguirá su ritmo. El día 24 tendrá lugar la Nochebuena, con cenas familiares donde no faltarán turrón y otros dulces típicos. El día 31, la Nochevieja se vivirá con fiestas por todas partes después justo de tomar las doce uvas de la suerte en la puerta del Sol.

Ante una taza de chocolate caliente comenzará para los madrileños el Año Nuevo… pero aún no habrán acabado las fiestas. El colofón llegará la noche del 5 de enero, día en que las principales calles del centro acogerán la siempre esperada Cabalgata de Reyes, con los Magos de Oriente formando parte de una comitiva que avanzará desde Nuevos Ministerios hasta la plaza de Cibeles, entre pajes, carrozas y compañías teatrales derrochando magia y emoción.

Este año, el mensaje que traerán los Reyes será el del cuidado y respeto por el Medio Ambiente. Todo un compromiso de Madrid para 2009.

'Quantum Of Solace'

'Quantum Of Solace'

  No hubo sorpresas, el público español no fue una excepción y también se rindió ante los encantos de 'Quantum Of Solace', nueva cinta de James Bond que va camino de convertirse en el 007 más taquillero de todos los tiempos. Dirigida por Marc Forster, la vigésimo segunda película del personaje creado por Ian Fleming recaudó en el fin de semana de su estreno en España más de cuatro millones de euros colocándose a una distancia sideral del resto de películas de la cartelera.

   Así, 'Saw V' cayó hasta el segundo puesto rebajando más de la mitad su recaudación de la semana pasada con poco más de 785.000 euros. El que estaba llamado a ser el el otro gran estreno del fin de semana, 'Appaloosa' también quedó totalmente eclipsado por el brillo de 'Quantum Of Solace'. El western dirigido por Ed Harris y protagonizado por Viggo Mortensen, Renée Zellweger, Jeremy Irons y el propio Harris se tuvo que conformar con poco más de medio millón de euros.

   En el cuarto lugar se mantiene 'Red de Mentiras', la cinta de Ridley Scott protagonizada por Leonardo DiCaprio y Russel Crowe que en su tercera semana en los cines españoles ya acumula unas ganancias que superan los cuatro millones de euros. Les siguen los ídolos adolescentes de 'High School Musical 3', la comedia 'Una novia para dos' protagonizada por Kate Hudson y la aclamada cinta italiana sobre la mafia 'Gomorra'. Cierran el top-ten de la taquilla española el la edulcorada historia de 'Bella', los hermanos Coen que después de siete semanas siguen en los primeros puestos con 'Quemar después de leer' y el más veterano de la lista, 'El niño con el pijama de rayas'.

Titanic. The Artifact Exhibition

Titanic. The Artifact Exhibition

La algarabía que se formó entre los ciudadanos que llegaban en carruajes y trenes desde todos los rincones de Irlanda hasta el astillero de Harlan and Wolff, en Belfast, era sólo el preludio de la celebridad que durante décadas ha acompañado al buque insigne irlandés, bautizado como Titanic.

Ha pasado casi un siglo desde que el navío más imponente que jamás se hubiera construido encendiera por primera vez sus calderas entre los vítores y la agitación de los pañuelos de miles de espectadores.

Lo que ninguno de los allí presentes podía suponer es que el ’insumergible’ barco terminaría yaciendo en las gélidas aguas del Atlántico arrastrando con él los sueños y las esperanzas de más de 1.500 pasajeros.

Ahora, por primera vez en Madrid y tras recorrer varias capitales del mundo, 230 fragmentos de aquellas historias emergen del profundo océano en la exposición ’Titanic. The Artifact Exhibition. Objetos reales. Historias reales’ para que ’bucear’ entre los recuerdos del lujoso navío.

Una vez a bordo, los visitantes de la muestra se trasladarán a 1912 —año en el que se finalizó la construcción del Titanic y en el que emprendió su único viaje— a través de más de 200 objetos extraídos en las sucesivas expediciones que la empresa titular de los derechos del buque, RMS Titanic Inc, ha realizado desde la década de los 80.

Vajillas, picaportes, naipes, billetes, perfumes o una botella de Moët and Chandon Seco Imperial de 1898 sin descorchar son algunos de los objetos que se conservan en las vitrinas de la muestra, acondicionadas para la conservación de cada tipo de material.

"Los objetos son muy frágiles puesto que han estado mucho tiempo sin estar expuestos a la luz por eso cada día deben ser cubiertos con mantas y se trasladan en condiciones muy especiales, no nos separamos de ellos", explica Cheryl Muré, directora del Departamento de Educación de Premier Exhibitions Inc, propietaria de RMS Titanic Inc, y miembro de una de las expediciones.

Los artefactos recuperados de los restos submarinos del Titanic forman parte de una colección de más de 5.500 objetos repartidos por el mundo en exposiciones simultáneas. Así, la muestra ofrece la posibilidad de contemplar —e incluso tocar— una parte del casco del navío u observar los complementos en oro y plata que los pasajeros más adinerados guardaban en sus camarotes.

Un viaje a las historias reales
Para adentrarse en el viaje cronológico a través de la corta vida del Titanic, la exposición recorre los detalles más curiosos del navío desde su construcción hasta su naufragio a través de su propia historia y la de sus pasajeros.



La recreación de uno de los camarotes de primera clase.
De esta forma, las historias con nombres y apellidos reviven transformadas en objetos personales y fotografías que han sido reunidos tras varias décadas de investigación.

"Las investigaciones históricas han sido muy exhaustivas, se han hecho cientos de entrevistas tanto a supervivientes como a familiares de pasajeros", explica Muré.

Recreaciones muy logradas
La ambientación de la muestra resulta esencial para trasladar al visitante hasta los pasillos del navío, por eso, música, luz y decorados están al servicio de la recreación de los camarotes de primera y tercera clase, del relato del hundimiento o de las anécdotas más peculiares.

En la parte final del recorrido, un bloque de hielo de ocho metros conservado bajo cero simula ser el iceberg contra el que el Titanic chocó la noche del domingo 14 de abril de 1912 al que sucede la última sala en la que se encuentra la campana que Fredèric Fleet hizo sonar aquella trágica noche.

Una historia universal
Las fotografías históricas, los vídeos y carteles informativos aportan interés e interactividad al recorrido por lo que es recomendable para todas las edades. "Más de 20 millones de personas ya han presenciado alguna de las exposiciones que han estado repartidas por el mundo durante 14 años desde niños a ancianos", comenta orgullosa la directora.

Y es que el Titanic es todo un hito universal de lo que sin duda es gran responsable el cine comercial. "El cine ha contribuido a dar a conocer la historia del Titanic. La película más conocida que se ha hecho hasta ahora, la de Leonardo Dicaprio y Kate Winslet, es bastante fidedigna a los hechos históricos, se nota que está bien hecha. Además, utilizaron varios objetos que pertenecen a esta colección", concluye Muré.


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’Titanic. The Artifact Exhibition. Objetos reales. Historias reales’ se abre al público a partir del jueves en la C/ Goya 5-7 de Madrid. Para consultar precios y comprar las entradas: www.titanicmadrid.com                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                

Obama cambia el color de la Historia

Obama cambia el color de la Historia

Barack Obama será el primer presidente negro de EEUU. El senador demócrata ha arrasado en las urnas con un resultado histórico: el 52% de los votos y al menos 338 delegados, muy por encima de los 270 que necesitaba para hacer realidad un sueño que hace sólo dos años parecía imposible.

Ni voto racista —el exagerado 'efecto Bradley'— ni vuelco de última hora a favor de John McCain. El candidato del cambio y la esperanza se ha adjudicado todos los estados que consiguió John Kerry hace cuatro años y, como mínimo, otros siete que apoyaron a George W. Bush.

"El cambio ha llegado a América", proclamó el vencedor ante la multidud multirracial que se congregó en el Grant Park de Chicago. "¡La victoria es vuestra!", afirmó entre el griterío incesante del "Yes we can" ("Sí, podemos"), transformado sobre la marcha en "Yes we did" ("Sí, lo hicimos").

Con su habitual sobriedad, sin concesiones a la galería, Obama estrenó el traje de presidente electo con una referencia muy directa al alcance de su triunfo para la comunidad negra: "América es el lugar donde todas las cosas son posibles". El reverendo Jesse Jackon no pudo contener las lágrimas; la presentadora Oprah Winfrey se quedó sin voz de la emoción.

Pero los triunfadores de la noche fueron los más de 70.000 seguidores que lograron entrar en el recinto, más las decenas de miles que se quedaron fuera festejando la noche histórica. "Esta victoria os pertenece", dijo el senador, que tuvo también palabras para quienes no le votaron: "He escuchado vuestras voces, voy a necesitar vuestra ayuda, seré también vuestro presidente".

Entre otros hitos, Obama es el primer candidato desde Bill Clinton, en 1996, que hace triplete en Florida, Pensilvania y Ohio. Es también el primer demócrata en 44 años que se adjudica Virginia y el único de su partido desde Jimmy Carter que ha superado la barrera psicológica del 50% en voto nacional.

Los demás territorios reconquistados por el senador afroamericano cuentan con un peso inferior en el Colegio Electoral —el organismo que decide la presidencia—, pero son igualmente simbólicos. Iowa le dio su primera gran alegría en las primarias, Colorado acogió la Convención Demócrata a finales de agosto y los dos restantes —Nevada y Nuevo México— añaden brillo a su éxito electoral en el oeste del país.

Además, Obama lucha aún a estas horas por los votos en otros tres estados de tendencia republicana que podrían aumentar todavía más su ventaja: Carolina del Norte, Indiana y Misuri. Si todos acaban inclinándose a su favor, la suma definitiva alcanzaría los 375 delegados, aunque la suma más probable por ahora es 364.

El ganador de la carrera más dilatada y mediática por la Casa Blanca heredará el próximo 20 de enero un país en crisis y en conflicto. "Tenemos dos guerras, un planeta en peligro y la peor crisis financiera del siglo", advirtió en su discurso. "El camino que nos queda será largo y habrá muchos que no estén de acuerdo con cada decisión que pueda tomar como presidente".

Caminando sobre la estela de Abraham Lincoln y John F. Kennedy, el próximo ocupante del Despacho Oval prometió "un nuevo tipo de liderazgo" para afrontar los retos del futuro y propuso a los estadounidenses "un nuevo espíritu de patriotismo, servicio y sacrificio".

En esa tarea le ayudará la nueva mayoría ampliada del Partido Demócrata en el Capitolio, con al menos 56 de los 100 senadores —incluidos dos independientes— y 247 de los 435 congresistas. Los republicanos, mientras tanto, pierden peso político en Washington tras ocho años de Bush y deberán esperar a las legislativas de 2010 para tomarse la revancha.

Y en pleno hundimiento conservador, ¿qué papel le quedará a McCain cuando regrese a su escaño en el Senado? De momento, un protagonismo humilde y sin ninguna intención de restar méritos a Obama. "EEUU ha hablado, y ha hablado claro", admitió nada más presentarse ante sus seguidores en Phoenix, Arizona.

El héroe republicano dejó también una nota de elegancia y generosidad al tender la mano a su oponente: "Son tiempos difíciles y, aunque siguen vigentes muchas de nuestras diferencias, yo le ofrezco hacer todo lo que esté en mi mano para ayudarle a afrontar los retos que le esperan".